1. Antes de ponerte a grabar, planifica lo que vas a hacer. Es bastante importante tener claro cuál va a ser el resultado final que queremos. si no lo haces así, lo mas probable es que acabes grabando mil millones de cosas y volviéndote loco.
2. No temas grabar las cosas por separado. Luego podrás unirlas con tu editor de vídeo favorito.
3. Utiliza micrófono ( para la voz) y no temas “enchufar” tu guitarra al ordenador. Con esto conseguirás que el sonido tenga una mayor presencia, evitarás la entrada de ruidos indeseables y ( en el caso de la guitarra) podrás editar el sonido y añadir efectos si es necesario.
4. Graba el sonido con la cámara… y con tu ordenador al mismo tiempo ( para eso estamos utilizando lo del  punto 3)
5. Graba con bastante luz. Si puedes conseguir luz natural mejor, y también puedes iluminar un poco más las zonas que mas interesa que se vean con una lampara de mesa o haciendo rebotar la luz de una ventana con una cartulina blanca.

Son 5 consejos muy básicos, pero que harán mejorar bastante tus vídeos. En el caso de la grabación con micrófono o directamente en el ordenador me voy a detener un poco más…

Para grabar el sonido de un vídeo, tampoco es necesario contar con grandes medios técnicos. Obviamente si tenemos un buen equipo mejor que mejor, pero con lo que tenemos por caso algo podremos hacer ( no esperes que quede igual).

Es importante que grabes el sonido por separado en tu ordenador, para tener control absoluto sobre el resultado. En el caso del micrófono está claro como conectarlo. En el caso de la guitarra, lo suyo es contar con una buena tarjeta de audio, aunque con la que viene con los ordenadores también lo puedes hacer. Sólo tienes que conectar tu ampli a la entrada de linea del ordenador. No es una solución muy profesional ( mas bien nada), pero obtendrás el sonido de tu guitarra con todos los efectos que utilices.

Para grabar si te recomiendo que utilices un software de audio medio decente. Una buena solución es REAPER, yo lo he empezado a usar hace poco tiempo, da muy buen resultado ( puedes hasta utilizar simuladores de efectos y amplis por VST) y es muy barato ( prueba de 30 dias y 40€ la licencia con descuento…).

Una vez tengas todo ok y conectado, el proceso es el siguiente. Elige la escena que quieras grabar, graba con la cámara y graba con el ordenador.

IMPORTANTE: lo primero que tienes que hacer es una “claqueta”, si, como en el cine. Con que des una palmada bastará. Depués haz lo que tengas planeado ¿Para que sirve esto?, para sincronizar el sonido del ordenador con el de la cámara.

En el momento de la edición deberás unir vídeo y audio. En los editores de vídeo actuales esta tarea es bastante fácil si tienes una claqueta, debes hacer que suenen a la vez las claquetas de la cámara de vídeo y las grabadas en ordenador. De esta forma, una vez sincronizadas, el resto del sonido irá al tiempo que lo que ocurre en la cámara y podrás eliminar el sonido de la cámara. Prometo detallar cómo se hacen estas cosas en el futuro, de momento os dejo con un vídeo en el podréis ver la diferencia entre el sonido grabado desde la cámara y el que obtendríamos “cocinándolo en el ordenador”…

No te agobies
Aunque probablemente te cueste no sentirte culpable cuando ya llevas 2 semana y pico sin si quiera oler la guitarra, recuerda que estás de vacaciones y éstas no durarán eternamente; hay que aprovecharlas ahora que las tenemos, especialmente para recargar las pilas. Puede que te suene raro viniendo de un artículo ideado para animarte a tocar, pero el agobio ante una tarea concreta no hace más que bloquearla, así que no te agobies por no tocar. Tienes que sentirte en paz contigo mismo y tu instrumento y seguro que cuando la cojas, lo harás de otra manera.

Relax
Quizá no es el mejor momento para ponerse serios; para muchos seguro que es el momento ideal para dar un empujón con una buena rutina intensiva de verano, pero si eres de los que no se llevan bien con las rutinas y encima te cuesta ponerse a tocar en vacaciones, probablemente no sea el mejor momento. Por ello te aconsejo si es tu caso que, cuando toques durante tus vacaciones, toques lo que te apetezca. No te encierres en la habitación a hacer ejercicios con el metrónomo, porque el primer día aguantarás, el segundo quizás, pero el tercero ya no te acercarás al instrumento y lo que es peor, tardarás bastante en volver a hacerlo, porque asimilarás tocar con encerrarte a trabajar y no es eso lo mejor para descansar en vacaciones. Improvisa sin más lo que te venga a la cabeza, hazte con un repertorio compuesto por temas que te molen o los clásicos sencillos de siempre, como Stand By Me o Knock Knock Knocking on the Heavens Door. Pasarás un buen rato y al no estar centrado en mantener una ejecución impecable, estando al 110% de tus capacidades, podrás hacer fluir mucho más rápidamente la música entre tú y tu instrumento. Al fin y al cabo se trata de seguir tocando y dedicarle tiempo a la música y ésta es sin duda una magnífica forma de hacerlo.

Cambia de aires
Como acabo de decir, esto se trata de no abandonar la música en verano y cualquier excusa es buena, ¿no te parece? Muévete y cuando lo hagas, llévatela contigo. Si sales por ahí, a un parque, la playa o incluso al campo, una guitarra acústica o incluso un pequeño teclado mejorarán el plan seguro. El verano es el mejor momento para hacerlo y así te mantendrás tocando. Además en esta ocasión encontramos un interesante aliciente, ya que al no tocar sentados en nuestra silla de siempre, estaremos forzados a cambiar ciertas posturas y hábitos que te harán mejorar en tu ejecución al volver.

Espero que ahora te sientas a tope y con ganas de darlo todo disfrutando de la música y tus vacaciones todo en uno, nos gustaría que compartieras tus experiencias del verano con nosotros comentando en este mismo artículo.

Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera

Da igual que las personas a las que nos exponemos sean amigos, familiares o gente que no nos conoce de nada. No podemos centrarnos en recibir un feedback positivo en nuestra actuación sólo por el hecho de subirnos a un escenario y ponernos a hacer lo que hemos ensayado encerrados en un local de ensayo con tanta ilusión y trabajo. Incluso si el público se compusiera sólo de músicos y gente del mundillo, que naturalmente saben lo mucho que cuesta llegar a este momento, no podemos tenerlas todas con nosotros y esperar que la actuación sea un éxito.

Debemos cumplir una serie de requisitos. Primero hagamos el ejercicio de observarnos desde fuera. Os propongo que analicemos nuestras propias sensaciones cuando ejercemos de público en un concierto. ¿Qué cosas hacen que lo pasemos bien, aplaudamos, nos emocionemos, nos divirtamos y gritemos un rotundo “¡otra, otra!” al final del concierto?

Debemos desarrollar una empatía con el grupo y sobre todo con el front-man o front-woman. En una palabra, tiene que “caernos bien” y a la vez, despertar nuestra admiración. Sea por su carisma, su talento, su buen rollo haciendo algo que claramente vemos que disfruta y por consiguiente nos hace disfrutar, por su interpretación cargada de sensaciones que se transmite hasta la última persona presente en la sala, ó la estética agradable y armoniosa de toda la banda. Los divos no caen bien, así como la gente que tiene un alto concepto de sí mismo pero no demuestra nada presentando una burda caricatura de su persona, pasando a ser un “personaje”.  Si queremos crear un personaje creíble, debemos mantenerlo de principio a fin, pero adoptemos ese rol o simplemente nos presentemos tal y como somos, la clave es la NATURALIDAD. Tener una imagen realista de uno mismo, ayuda mucho a potenciar los puntos fuertes y lidiar con naturalidad con las limitaciones. La tendencia siempre ha de ser mejorar, pero en el camino, podemos ir mostrando nuestro arte y eso no tiene nada de negativo. Gente que le encanta criticar siempre hay en todos sitios, pero no hay cosa más fácilmente criticable que alguien que va de guay y no lo es.

Y permitidme otro consejo: escuchad las críticas, tratad de aprender a ellas, pero pasad por la criba TODO lo que os digan. Habrá críticas constructivas y críticas envidiosas y gratuitas. Aprended de las primeras y olvidad las últimas. No merecen la pena.

Cómo conseguir superar los nervios y saltar con seguridad al escenario:

Los bloqueos son muy normales al principio de nuestra aventura musical. Hay bloqueos de muchos tipos: emocionales, preceptúales, culturales… Los bloqueos emocionales, normalmente son los más comunes. Surgen sin duda, de un pensamiento que nos lleva a sentir esa emoción en concreto. Algunos de los que nos pueden asaltar en estas circunstancias son: miedo a la exposición, a que nos juzguen, a que algo falle, falta de confianza en nuestra técnica, falta de confianza en algún compañero, o simplemente imprevistos en la sala, el técnico de sonido… Los momentos cruciales muchas veces suelen ser minutos antes de salir, al comenzar el concierto y durante, justo después de algún fallo.

Minutos antes de comenzar, suele funcionar muy bien calentar, estirar el cuerpo, relajarse con una conversación agradable o simplemente exteriorizando la emoción, pues al verbalizarla se comparte y se diluye. Realizar respiraciones en el caso del cantante, no sólo ayudará a entrar con buen tono diafragmático y todo en su sitio, sino que proveerá de una calma envidiable, fruto de las respiraciones casi terapéuticas del calentamiento.

Al comenzar el concierto, no tengas miedo. Sal con paso firme a escena, saluda a la gente, aprovecha ese primer momento de acercamiento para agradecer al público la asistencia, y anima a las personas a acercarse a ti y dejar que sientas su calor y su apoyo. En una palabra, hazte su amigo/a. Puedes ser agresivo pero cordial, si la música lo requiere, o simplemente despliega una sonrisa y muestra lo contento y agradecido que estás por poder contar con tantas personas que han venido a escucharte y a verte. Prométete que lo pasarás genial y ellos también lo harán. Respira hondo y comienza. Los nervios, pasarán.

No dejes al público solo durante el concierto. Aunque estés muy metido en el espectáculo, trata de no desconectar de lo que te rodea. Es todo un arte, pero con práctica, conseguirás tener los cinco sentidos en la música, en tu interpretación y también en toda la gente de la sala. Creedme, conseguir que toda la energía de grupo y público se conecte y mantener esa conexión es la auténtica clave del éxito.

Si en algún momento del bolo surge algún problema técnico, repito: no dejes solo al público. Si lo haces, se darán media vuelta y se pondrán a charlar con los colegas como si estuviéramos en los anuncios. Si es necesario, explica el problema, trata de entretenerlos y prepárate para los imprevistos. En ti recae la responsabilidad de ser el portavoz pero quizá alguno de tus compañeros pueda preparar contigo alguna pieza, solo o break por si acaso surge algún problema.

La clave es ESTAR PREPARADO para cualquier cosa. Y los nervios, serán menos nervios ante el “¿Qué podría pasar para que esto fuera un desastre?”

Los bloqueos nos limitan y desde luego son los peores enemigos que nos podemos crear. Una vez los superamos, seremos capaces de mejorar y de vivir plenamente los momentos mágicos de conexión con el público y mostrar todo nuestro arte y potencial.

Gema A. Vau

1. Es, junto a un afinador y el propio instrumento, una de los 3 elementos más básicos y fundamentales del aprendiz de música
2. Gracias a él logramos aprender a manejar el tiempo y hay que recordar que la definición más sencilla de música habla de “Melodía, ritmo y armonía, combinados”
3. Sea cuál sea la dificultad, tocar muy rápido muchas notas de forma fluida o distribuir correctamente las notas en tiempos largos, el metrónomo es ese director de orquesta que te indicará sin error dónde está cada cosa
4. Nos ayuda a desarrollar el importantísimo “metrónomo interno”, sin el cuál no se puede ser buen músico
5. Es vital para lograr una buena técnica, ayudándote a tener un fraseo fluido y limpio
6. Con él trabajamos la velocidad de forma correcta, aumentando el tiempo sólo cuando ya dominamos la ejecución en el actual
7. Junto a unos simples ejercicios podemos desarrollar un impresionante control rítmico. Prueba a tocar todos los ejercicios en tiempos “débiles” (en el 2 o 4 de un 4/4) o comenzarlo todo a contratiempo
8. No se puede grabar sin él; si no lo usas para grabar todos los instrumentos, las posibilidades de que todo suene en su sitio son prácticamente inexistentes
9. El metrónomo no es sólo cosa de baterías; él ha de tener buen concepto del ritmo para marcarlo, pero tú igualmente has de tenerlo para seguirlo
10. Es un error muy común pensar que el metrónomo, el control de un tiempo estable, va en contra de la libre expresividad de los sentimientos. No os confundáis: dominar el tiempo no es óbice de la expresión, sino una herramienta BÁSICA de ésta. Acelerarlo o ralentizarlo denota distintos matices emocionales que no podrás dominar si no controlas el tiempo medianamente bien

Esperanza Galera

Mi visión trata de igualdad, no de diferenciar entre hombres y mujeres, sino entre guitarristas que trabajan y guitarristas que no, guitarristas que se lo toman en serio y guitarristas que no. No hay ni una sola razón por la que se deba hacer de otra manera, pero me siento en la obligación moral y profesional de publicar un artículo dirigido a ellas y ponerlo a disposición del mayor número de ojos posibles. La razón que me lleva a ello es que hay un factor por el que la mayoría de mujeres necesitan que se les haga una llamada de atención como ésta, un factor que ellas mismas han creado y no paran de promover: su victimismo.

Evidencia 1: El victimismo crea víctimas
Se quejan de que no son tratadas y respetadas por igual, de que valen tanto o más que los hombres y aún así éstos no las toman en serio, pero ésa ya es la primera baza que las diferencia de ellos, ya que los portadores de espermatozoides no se quejan de no ser respetados. La actitud victimista de las mujeres guitarristas no hace más que convertirlas en víctimas, en una figura débil y quejica a la que hay que tratar con especial cuidado, porque es frágil y fácil de molestar, ¿es eso lo que buscáis? Pensé que era respeto y aceptación lo que abría vuestras bocas con pose digna a reclamar al mundo, pero pensando que las mujeres son unas maltratadas musicales y los hombres unos maltratadores que no las toman en serio, ayudáis a convertirlo en realidad. Un maltrato se da entre alguien fuerte y alguien débil, jamás entre dos personas con la misma fortaleza y está en vuestra mente el sentiros más, menos o tanto como los demás. Vosotras sois las que decidís si se produce ese maltrato musical, o no, ¿o a caso no sois suficientemente fuertes?
Claro que en esta vida, dentro y fuera de la música y en cualquier aspecto de nuestra existencia, nos vamos a encontrar con personas despreciables que nos critiquen con maldad y vayan al insulto más fácil, como lo es el machista, pero eso te pasará seas mujer, hombre, gordo, flaco, blanco, amarillo o azul y una vez más es en mano de las mujeres en las que está cómo afrontarlo, ¿quejándose dejando ver que al ser mujer hay que tratarte mejor? La igualdad acarrean los mismos beneficios, pero también los mismos problemas que los demás y no consigues nada no queriendo afrontar los puntos negativos que te corresponde vivir en esta vida.

Evidencia 2: Si quieres que te respeten por tocar, toca
Es agotador leer en foros, artículos y redes sociales la indignación de tantas y tantas chicas y no tan chicas de lo mal que supuestamente se nos trata, además de una pérdida de tiempo, aunque no una tan grande como escribirlo. Traen a su memoria a otras mujeres que son conocidas por cómo tocan como argumento de lo capaz que es una mujer, pero no se dan cuenta de que esas mujeres no perdieron el tiempo así, sino que lo usaron para practicar. Me cuesta creer que, de verdad una mujer se siente enfrente de una pantalla a despotricar porque no se le respeta por como toca, ¿de verdad esperas que te tomen en serio como guitarrista a base de argumentos escritos en internet? No es precísamente un secreto, pero lo diré igual: el mejor argumento para demostrar lo capaz que es alguien, es desarrollando y demostrando esa capacidad. Dicho de otra forma, si quieres que te respeten por tocar, deja de perder el tiempo escribiendo sandeces y toca y si de verdad existe algún prejuicioso que piense que no eres capaz de tocar bien la guitarra por ser mujer, ¿qué argumento le va a quedar cuando te vea marcándote un solazo en condiciones o riffeando buen rock o metal? Pero, ¡sorpresa!, ni a solear bien ni a riffear se aprende a base de quejas, sino a base de HORAS, horas y horas con el instrumento.

Evidencia 3: La realidad es la realidad
No obstante y por desgracia, debido ya a tantos y tantos años de autodesprestigio por parte de las propias mujeres, ya es algo tarde para que lo descrito arriba sea suficiente para detener los prejuicios que hay en contra de las mujeres guitarristas en un corto plazo. Esto no es más que la causa de pura estadística. Me explico: una persona cualquiera, después de ver a 10 chicas guitarristas y comprobar que de esas 10, 10 se hacen y suben fotos con el instrumento constantemente, 10 tontean por los foros y redes sociales como adolescentes y ninguna sube ni un triste cover mal afinado, comienza a hacerse una idea sobre lo que una mujer es capaz de hacer con una guitarra.
Pero esto no significa que ya no haya solución sino que, la única pequeña diferencia REAL entre hombres y mujeres guitarristas, es que una mujer tendrá que “demostrar” que, de entrada, no forma parte de ese colectivo que representa a la mayoría de “mujeres guitarristas” donde de primeras te van a meter. Pero que esto no os preocupe, nadie os hará un examen, ni os mirará con recelo, no tendréis que cambiar vuestra forma de ser ni de actuar; símplemente, si amas el instrumento, lo trabajas y sientes pasión por él, dejando de lado lo que los demás opinen o dejen de opinar, la verdad caerá por su propio peso y con el paso de los años, el concepto de mujer guitarrista habrá cambiado y no habrá prejuiciosos que juzguen antes de escuchar.

Nunca es suficientemente tarde para cambiar y ganarte el respeto de los tuyos si trabajas y tienes paciencia. La recompensa merece la pena y ya no por el respeto que te tengan o dejen de tener los demás, sino por la realización personal de cumplir con tu deber y poder crecer en el apasionante mundo de la Guitarra y la Música.
Esperanza Galera.

Aunque lo ideal (en caso de un concierto de varios temas) sería comenzar el repertorio cantando una canción que nos ayudara a calentar y no nos exigiera llegar a notas fuera de nuestra tesitura natural, muchas veces hemos de comenzar a lo grande, con un tema que entre fuerte y contundente en los oídos de los asistentes… y sin un buen calentamiento, sería imposible comenzar un concierto de estas características cantando de forma correcta y sin riesgos.

Hay muchos tipos de ejercicios y hablando de los más básicos, los dividiré en:

• Estiramientos
• Respiraciones
• Máscara
• Vocalización
• Escalas

Para estirar el cuerpo nada mejor que realizar un trabajo de movimientos lentos combinándolo con respiraciones, para así ir entrando en materia y relajarnos. Si a la vez combinamos esto con un calentamiento de la máscara y la garganta junto con una serie de notas cantadas, estaremos calentando todo a la vez.

En este artículo, me voy a centrar en los estiramientos, y en sucesivos artículos, iré desgranando cada una de las partes esenciales del calentamiento, para finalmente perfilaros una rutina para antes de comenzar una actuación, consistente en varios ejercicios combinados para conseguir calentar todo el cuerpo y el instrumento vocal en tiempo récord y de forma muy efectiva. Yo misma utilizo esta rutina cada vez que me subo a un escenario, y permite comenzar con toda la fuerza y seguridad desde el primer minuto.

Antes de empezar:

• Esencial: hacer estos ejercicios MUY DESPACIO. Hay que hacer el ejercicio propuesto de forma efectiva y para eso de nada vale apresurarnos. Lo único que podemos conseguir es marearnos o contracturarnos.

• Respiración: cuando realicemos un ejercicio de estiramiento, habrá un momento de tensión. Siempre hay que procurar que en ese momento de tensión, nuestra respiración sea de expulsión del aire. ¿Por qué? Porque al expulsar el aire, el cuerpo se relaja en contraposición a la tensión del ejercicio. De esa forma, ambas acciones se contrarrestan, y tienden a lo neutro, a lo natural, lo cual es primordial, para no hacernos daño.

• Usaremos siempre que se nos indique, la posición neutra para todos los ejercicios: De pie, con el cuello y los hombros relajados, las piernas un poco abiertas y alineadas con los hombros y las rodillas un poco flexionadas.

Ejercicio 0: El bostezo
El mejor y primer ejercicio cuando queremos “desperezar” el cuerpo, es bostezar. Trataremos de hacerlo de forma natural o forzada, pero bostezar nos vendrá genial para estirar bien la garganta y tonificar sus músculos. ¡Por algo lo hacemos nada más levantarnos!
Aparte de esto, el bostezo es una técnica que se utiliza en canto moderno, y de esta manera, lograremos recordar la posición abierta de la garganta y hueca de la boca, que debemos mantener a la hora de cantar.

Ejercicio 1: Cuello
Con la barbilla cerca del pecho, mirando abajo, rotaremos el cuello a la izquierda trazando un semicírculo, y llegando a arriba, mirando al techo. Al llegar arriba, bajamos recto la cabeza otra vez, llegando otra vez la barbilla cerca del pecho.
Repetimos operación al otro lado, rotando el cuello a la derecha y trazando semicírculo hasta llegar arriba al techo. Bajamos otra vez la cabeza hasta la posición inicial.
La respiración de este ejercicio va así: Cogemos aire al hacer el semicírculo (en ambas direcciones) y lo soltamos al bajar la cabeza hacia el pecho, notando cómo se estiran trapecios y parte posterior del cuello.

Realizaremos varias series muy despacio y estirando bien, notando cómo nuestro cuello se estira en su totalidad, ampliando el semicírculo todo lo posible e identificando dónde tenemos la tensión, si la hubiera. El número de series, dependerá de cada persona, pero aconsejo hacer un mínimo de 8. Si necesitas más estiramiento, adelante, continúa hasta que no haya tensión y notes el cuello liberado.

Ejercicio 2: Hombros
Posición neutra. Nos vamos poniendo de puntillas mientras nos “encogemos de hombros”. Notamos como se estiran piernas y espalda, y tratamos de subir al máximo tanto talones como hombros. Soltamos y dejamos caer talones y hombros de forma natural, rebotando varias veces los hombros pero sin agresión, simplemente soltando. Trataremos de estirarnos cada vez más, hasta el fin del ejercicio. 8 repeticiones mínimo. Si necesitas más, continúa.
La respiración será cogiendo aire en posición neutra, y soltándola según subamos hombros y puntillas.

Ejercicio 3: Espalda
Estos dos ejercicios me los enseñó una fisioterapeuta cuando tenía 12 años. Siempre he tenido problemas de espalda y creedme, son geniales para estirarla y alivian mucho cuando notamos los músculos contraídos (a menos que tengamos un daño severo que tengamos que tratar con un profesional).

1. Posición: en el suelo, nos apoyamos sobre nuestras rodillas y sobre las palmas de nuestras manos (lo que comúnmente se denomina, “a cuatro patas”)

En esta posición, comenzamos a estirar un brazo para delante, y recogemos. Se trata de llegar a la pared de enfrente, tratando de no perder la alineación de las caderas (se trata de estirar la espalda). Luego estiramos el otro brazo de igual forma, (la cabeza alineada con la espalda, esto es, mirando al suelo). Haremos 8 repeticiones por cada brazo, no olvidar la respiración, en primera posición cogemos aire y lo expulsamos cuando estiremos el brazo para alcanzar la pared.

2. En la misma posición inicial, cogemos aire, estiramos ambos brazos hacia la pared de enfrente y dejamos caer el tronco, pegando la frente en el suelo y sentándonos sobre nuestras rodillas. Estiramos los brazos todo lo que podamos y empujamos el pecho contra el suelo, mientras exhalamos.
Volvemos a la posición inicial, cogemos aire, y ahora arqueamos la espalda hacia el techo, de forma opuesta, esto es, inclinamos cabeza y metemos pelvis, mientras subimos la espalda y notamos como se estiran las dorsales.

Mientras estiramos las dorsales, exhalamos. Haremos 8 repeticiones de cada curvatura.

Para terminar, nos ponemos de pie (despacio, la cabeza lo último) y finalmente al llegar a la posición neutra saltamos, soltando piernas, brazos, cuello… como si fuéramos muñecos de trapo, mientras cogemos y soltamos aire a voluntad. Nuestro cuerpo está ahora estirado y templado para comenzar con otros ejercicios.

Siguiente entrega: “Calentamiento de la voz: Respiraciones”

Seguimos sin salir de nuestro local de ensayo. En el anterior post os daba unas sugerencias de colocación de vuestros instrumentos para que todo sonase un poquito mas claro o incluso mejor de lo que muchas veces me he encontrado en algunos locales de ensayo y directos.

Bien, a pesar de tenerlo todo bien colocadito, siempre surge que no podemos subir más el volumen del vocalista porque los altavoces empiezan a pitar como salvajes, es decir, ACOPLAN. Esto ocurre cuando un micrófono recoge las mismas frecuencias que suenan por los altavoces. Esta realimentación hace que esas frecuencias suenen cada vez mas alto y se recojan cada vez mas por el micrófono, entrando en un bucle que hace que aparezcan esos pitidos insoportables en las frecuencias que realimentan y que nos dejan sordos a todos.

La mejor opción para solucionarlo es contar con un ANALIZADOR de espectro que nos diga cuáles son esas frecuencias, y así modificar el ecualizador para evitar los acoples. Es una herramienta que esta muy bien, pero si no disponemos de ella (no es tan difícil encontrar un analizador, cualquier ordenador nos puede ser útil) tenemos algunos consejillos para evitar quedarnos sordos y/o mutilar a nuestro vocalista…

1. LA COLOCACIÓN:

Muy importante. Si colocamos el altavoz justo detras de nuestras cabezas orientado directamente al micrófono, el acople está asegurado, sobre todo en cuanto movamos un pelin la cabeza. Procura poner los altavoces o bien frente al cantante o a los lados dependiendo de cómo recoja el sonido el micrófono. Normalmente los micrófonos no recogen igual el sonido por todos los lados (salvo los omnidireccionales). Lo más habitual es encontrase que el micrófono del vocalista recoge el sonido siguiendo éste diagrama:

Para que os hagáis una idea, el micrófono esta en el centro y la linea azul indica por donde capta el sonido. Si queréis evitar los acoples debéis colocar los altavoces fuera de la linea azul… es decir por delante o a los lados del micrófono.

2. LA ECUALIZACIÓN:

Aqui entramos en una fase divertida. Voy a dar por hecho que el equipo que usas para amplificar tu voz viene con un pequeño ecualizador gráfico, algo así como esto:

En la parte derecha de la imagen encontrarás el ecualizador. El proceso es el siguiente:

• Olvídate de hacer dibujos bonitos con el EQ, las “V” o “U” invertidas y demás quedan muy bien en la foto y en algun equipo HI-fi, pero para lo que queremos son muy poco efectivas.
• Pon un volumen que consideres para cantar, ¿está todo bien? Si es así no toques nada y canta, sino pasa al siguiente punto.
• Sube las frecuencias del ecualizadior una a una, hasta que empiece a acoplarse, si no se acopla puedes ponerla donde tu oido te diga que se escucha mejor, si acoplan deberas bajar esa frecuencia para que no acople.
• Repite el proceso con cada frecuencia.
• Una vez que hayas encontrado todos los acoples y hayas bajado esas frecuencias en el EQ, podrás subir el volumen global sin miedo a dejar sordo a nadie.
• SÓLO UNA COSA MÁS: recuerda encontrar un punto de compromiso entre el buen sonido de tu voz y un volumen aceptable.

Por hoy creo que ya está bien, recordad que esto hay que hacerlo con cierta paciencia (aunque no lleva mucho tiempo) y después de haber puesto cualquier efecto a la voz (la reverb es una graan fuente de acoples).

¡Hasta pronto!

Carlos Lebrón

PD: Voy a celebrar mi cumpleaños este fin de semana y unos amigos me inivitan a tocar con ellos, vamos a grabar en audio (multipista) y vídeo el evento, ya os contaré en otros post como hacer el montaje para grabar directos y hacer un DVD. La convocatoria esta aqui.

El primer instrumento del cual tomamos conciencia es nuestra voz, y por imitación, comenzamos a emitir los primeros sonidos. De hecho lo hacemos desde que al nacer soltamos el primer llanto, ahí es donde empieza todo. El aparato fonador es el instrumento más complejo que existe, es único y también es el más íntimo, ya que somos nosotros quienes formamos y a la vez manejamos dicho instrumento. Cualquier cosa puede afectarnos, un mal día, una dolencia, una mala digestión… es un instrumento fascinante de investigar y muy difícil de dominar.

Si un músico de cualquier instrumento, o estudioso de la música teórica, ha de ser un viajero incansable hacia la perfección, un cantante lo ha de ser mucho más; si a eso añadimos el desgaste natural de nuestro propio instrumento debemos decir que sólo el afán de conocimiento, la pasión y la infinita paciencia pueden salvar a un cantante de las posibles frustraciones cuando se sumerge en su aprendizaje.

Cantar es algo bastante visceral y primario. Por ello, lo más importante cuando nos decidimos a empezar a investigar sobre cómo hacerlo de la forma más correcta, es no dejar de pensar que, como cualquier otra actividad para la cual el cuerpo humano esté “diseñado”, ha de hacerse de la forma más natural posible.
Esto nos lleva a la regla de oro: si te duele o daña… ¡PARA! Hay algo que no estamos haciendo bien. Cantar no es sufrir para dar ese agudo, ni notar que la vena del cuello te va a estallar, ni mucho menos.

Dicho esto, la primera idea que me gustaría poner sobre la mesa, aparte de la evidente complejidad, es la fragilidad de nuestro instrumento. Es por ello, debemos cuidarlo para que nos permita muchos años de investigación y entretenimiento. Parece absurdo pensar que se debería aprender a hablar una vez que ya sabes hablar de una forma determinada; Seguramente lo primero que nos imaginamos es que mejorando la dicción, podríamos mejorar la forma de hablar significativamente. No me estaba refiriendo a eso, sino a algo tan básico y tan necesario como la respiración. En sucesivos artículos hablaremos también de la colocación de la voz.

Imaginemos una gaita. Entre otras piezas, la componen: una enorme “bolsa” llena de aire, y unos tubos de madera con pequeños agujeros, los cuales permiten dar diferentes notas. Imaginemos ahora que la gaita no se llenara lo suficiente de aire, y que el gaitero tuviera que dar una nota de larga duración. Si no rellena adecuadamente la “bolsa”, no puede mantener la nota en el tiempo, pero además, si no utilizara un buen flujo de aire, no sonaría brillante y poderosa, sino apagada, temblorosa, incluso caída en cuanto al tono, no dando la nota que es, por mucho que el gaitero se esfuerce en dar con los agujeros a tapar, con una ejecución perfecta de sus manos.
En un instrumento de viento, el aire lo es todo y, amigos, nuestra voz es, sobre todo, un instrumento de viento (más adelante hablaremos de las cuerdas vocales y su función).

La respiración a la hora de cantar, (así como la bolsa de la gaita) ha de permitir tener una buena reserva de aire que provoque un caudal adecuado.

El primer mito a desmontar es la forma que tenemos de respirar naturalmente. Salvo cuando somos bebés (y como muchas otras cosas buenas, lo acabamos perdiendo según crecemos) de adultos solemos respirar con la parte alta de los pulmones; no hay más que ver el jadeo cuando nos fatigamos, solemos levantar los hombros, hinchar el pecho y realizar inspiraciones cortas para recobrar el aliento. ¡Se nos mueve todo el cuerpo! Puedes tomar conciencia de que esta forma de respirar haciendo el siguiente ejercicio, enfrente de un espejo:

*****

*****

Ejercicio 1: “Agarra tu hombro izquierdo con tu mano derecha
y tu hombro derecho con tu mano izquierda
cruzando por delante de ti y dejando caer los codos
de forma natural sobre tu pecho.
Delante de un espejo, respira de forma natural,
tomando aire por la nariz.
Observa qué ocurre.”

*****

***

*

Normalmente solemos encontrar que levantamos los brazos (algunos  mucho, otros sólo ligeramente), notamos que se elevan los hombros y  vemos bastante claro que estamos respirando con la parte alta de nuestros pulmones (el pecho).

Entonces… ¿qué sería lo correcto? Hacer una respiración diafragmática. El diafragma es un músculo con forma de paracaídas que separa la cavidad torácica de la abdominal. Cuando tenemos hipo es porque ese músculo se ha descompensado. En el canto es nuestro gran aliado ya que permitirá apoyar la respiración sobre él, y hacer que podamos enviar el aire (y el chorro de voz) bien lejos, como si de una cama elástica se tratase.

Bien, los primeros dos objetivos serían: aprender a respirar utilizando el diafragma y de esta manera aumentar progresivamente la capacidad pulmonar.

Os propongo realizar ahora otro ejercicio para comenzar a trabajar la respiración diafragmática o abdominal.

Ejercicio 2:

“Tumbado sobre una superficie lisa (la cama, el suelo…) nos colocaremos
un libro que pese un poco sobre el abdomen.
Trataremos con nuestra respiración de concentrarnos en hacerlo bajar y subir,
no utilizando los músculos para levantarlo sino con la RESPIRACIÓN.
Iremos notando que cogemos más aire del acostumbrado y notaremos
que la tripa “se hincha” pero no solo por la parte delantera,
sino también un poco, en los costados.
¿Lo notas?”

Nos estamos dando cuenta de que la “bolsa” de la gaita de la que hablábamos, es ahora nuestro tronco. De hecho, mas que una bolsa, imaginemos un fuelle (de esos de chimenea), que se hincha por los lados también. Para terminar de tomar conciencia de que podemos llenar mucho más los pulmones de lo que creemos, retomaremos el ejercicio 1 que os proponía frente al espejo.

Ahora trataremos de no levantar los hombros ni brazos, y sí de llenar la parte del abdomen, que está libre. Las costillas bajas (flotantes) se abren, y notamos que se “hincha la tripa”. Si realizamos series de respiraciones (inspiración y espiración) cogiendo aire en cuatro tiempos y soltado por ejemplo, en 8 tiempos, luego en 10, en 12… veremos como cada vez somos capaces de coger más cantidad de aire en esos cuatro tiempos de inspiración, y soltar por tanto aire durante más tiempo (tratando siempre de que el soplo sea lo más continuo posible en intensidad, de principio a fin de la espiración), aumentando así nuestra capacidad pulmonar y nuestro caudal de aire para después poder dar notas más largas, mejor afinadas y con mayor calidad sonora y volumen.

Es importante dejar claro que aunque se nos “hinche la tripa”, en realidad estamos llenando los pulmones, ya que al forzar al diafragma a bajar más, focalizando la respiración en ese músculo, próximo al abdomen, ayudamos a que los pulmones se llenen más hacia abajo (y a los lados, pensemos siempre que somos seres en “tres dimensiones”), y ganando espacio para nuestro preciado aire, que tantas veces nos falta a la hora de cantar.

Practicar la respiración diafragmática y aumentar la capacidad pulmonar es la base para poder cantar. Así que, ¡¡a practicar!!

Vau
(Profesora de canto y vocal coacher)
www.myspace.com/houseky

¿Cuántas veces nos hemos pasado horas y horas intentando dar una nota en condiciones y no logramos ni que suene un poco bien?, ¿Cuántas horas has pasado frente al ordenador o una hoja llena de pentagramas y has sido incapaz de componer una sola frase?

Pues el ejercicio regular no sólo mejora nuestra salud y forma física, sino que además nos ayudar a relajarnos, pensar con más claridad, alentará nuestra creatividad y nos ayuda a sobrellevar el estrés que domina nuestro día a día.

Ir al gimnasio, salir a correr, jugar un partido de fútbol o de baloncesto con los amigos… ó simplemente ir a pasear, como ya he mencionado, va a ser beneficioso no sólo para tu salud, sino que al despejar la mente nos estamos ayudando a incentivar nuestra creatividad.

Y ya que estamos iniciando el año, ¿qué mejor propósito que empezar a cuidar nuestro instrumento más importante?

Yo ya he empezado, ¿a qué esperas tú?

Laura López