Cualquier músico es consciente de la nota que está tocando en todo momento. Sabe, dependiendo del color, el lugar o la posición, si es un do o un sol… o simplemente porque lo pone en la partitura y si no sabe a qué nota corresponde cada tecla o traste, no puede leerla y por ende, tocar. Sin embargo en el caso de los guitarristas, con el nacimiento de las tablaturas se eliminó mayormente la necesidad de leer partituras, y con ella la de conocer las notas del mástil. Esto creó un antes y un después y un punto de inflexión entre los guitarristas y los demás músicos, como ya lo dice el chiste: “¿Cómo consigues que un guitarrista deje de tocar? Poniéndole una partitura delante”. Bromas aparte, cuando queremos estudiar música de forma seria o trabajar como músicos, se rescata esa necesidad de conocer las notas del mástil y no es suficiente con saber tocar: hay que saber también qué se está tocando.

¿Por qué?
Y por qué no, sería más fácil preguntar. En la música, como en la vida, todo lo que aprendamos nunca nos va a venir de más. Para empezar recordemos que somos los guitarristas (ocasionalmente bajistas y poco más), los únicos que ignoramos lo que estamos tocando, por lo que cuando nos movamos entre otros músicos nos vamos a encontrar con una carencia importante, porque ellos sí conocen las notas de su instrumento y van a interactuar con los demás músicos en consecuencia. ¿Y qué vamos a hacer cuando nos digan que toquemos en una escala, pongamos un acorde en cualquier parte del mástil, hagamos un ejercicio o fraseo en otra nota o demos un simple fa agudo? Además también nos abre la puerta a la notación: con un par de conocimientos de lenguaje ya podremos plasmar en partituras lo que componemos y guardarlo, usarlo para que no se nos olvide o compartirlo con otros músicos para que lo reproduzcan. No te auto-limites por la pereza de no querer conocer tu propio instrumento, lo cual, por cierto, es una experiencia maravillosa que es una pena perderse.

Cómo empezar: El método de la referencia
Yo enseño a mis alumnos lo que llamo el método de la referencia, un método bastante sencillo por el que se empieza aprendiendo las notas de la sexta cuerda y, con un par de trucos y la práctica, se acaba conociendo bien el resto del mástil. Lo primero, aprenderse bien las notas de la sexta cuerda desde el primer traste (FA) al traste 12, a partir del cuál se repiten las notas (hay que saber que de un traste a otro hay medio tono). Una vez las tienes me gusta usar el acorde por quintas, archiconocido por todo el mundo, para hacernos todo el dibujo alrededor: tónica, quinta, tónica. Abarcando los dos extremos de la octava y un medio (la quinta) podemos subir semitonos y tonos hasta encontrar la nota que estuviéramos buscando.

¿Quién necesita la guitarra teniendo ordenador?
Una vez más, como ya nos pasó con el entrenamiento auditivo, es posible pasar del instrumento y usar las nuevas tecnologías para aprender. Hay una carta bastante amplia de softwares y webs para aprenderse las notas del mástil. Quizás el más sonado sea el Fretpro, un programa que va poco a poco abarcando más notas a modo de juego, que sirve además para escalas y acordes. Además es muy popular, también con su versión para Mac, Fretboard Warrior.

Sea cual sea el método o programa que uséis, id aprendiendo poco a poco y la práctica os lo acabará enseñando todo. Conocer tu instrumento es como conocerse a uno mismo.

Esperanza Galera

Los que ya llevamos un tiempo en el mundo de la música compartimos una misma certeza: la burbuja está a punto de estallar. El actual modelo de mercado musical en España maltrata la Cultura a diario ofreciendo una paupérrima oferta musical, basando sus ventas en productos de usar y tirar, personas con cierto atractivo físico, dotes para el baile y una voz fácil de escuchar -y retocar- que interpretan lo que unos pocos músicos afortunados componen e interpretan a cambio de unas buenas ganancias. Lo que pase con el resto de los músicos que no participan en tan deleznable engranaje, el 95% restante, se queda en la sombra. Y es en el desalentador panorama de ese 95%, en el que finalmente han aparecido las nuevas tecnologías trayendo un rayo de esperanza para cambiar las cosas, poniendo en jaque a la industria musical y demostrando que, cuando algo se lleva haciendo tan realmente mal, durante tanto tiempo y de una forma tan concienzudamente atroz, se está condenado al fracaso. La burbuja está a punto de estallar, lo que aún no sabemos es, ¿por dónde? ¿hacia dónde deberíamos dirigir nuestros proyectos? Es hora de conocer nuestras opciones.

Por supuesto la industria se mantiene luchando como gato panza arriba, aferrándose a un clavo ardiente por la lava del cambio y el inevitable progreso. Pero es aquí donde empiezan a aparecer indicios del cambio, de la mano de un par de visionarios que nos muestran por dónde van a ir los tiros cuando nuestra burbuja reviente, que han decidido cambiar las cosas y, sobretodo, demostrar que es posible dedicarse a la música sin doblegarse al sistema, no sólo de la mano, sino con el apoyo de las nuevas tecnologías. Es por ello que tengo el placer de presentaros a Stormy Mondays, un grupo asturiano formado hace ya 20 años, conocido -entre otras cosas- por ser el primer grupo español en apostar al 100% por la distribución libre de su trabajo, bajo licencia Creative Commons. Junto a David Bravo, abogado pionero en la defensa del intercambio libre de Cultura, despejaremos todas las dudas y mitos al rededor del nuevo formato de negocio al que optamos los músicos actuales para poder vivir de nuestro trabajo, la Música. Su líder, Jorge Otero, responderá a las preguntas.

Esperanza Galera: Se os considera un “grupo Creative Commons”, ¿qué es exactamente el CC y por qué se os considera como tal?

Creative Commons es una alternativa al clásico “Todos los derechos reservados” del Copyright. CC significa que hay solamente “Algunos derechos reservados”: los que el autor haya decidido reservarse. En nuestro caso, la licencia que usamos quiere decir que no hace falta pedirnos permiso para utilizar nuestra canción con fines no comerciales, copiarla, distribuírla, etc. Solamente se pide el reconocimiento del autor y que la canción no sea modificada. Hay diferentes variantes de las licencias según los derechos que quiera ceder el autor.

Nosotros hemos sido pioneros y somos ardientes defensores de las alternativas al Copyright y de la distribución musical libre, pero personalmente no nos consideramos “grupo Creative Commons”. Somos un grupo de rock que no le tiene miedo a las nuevas tecnologías, sin más.

E.G: También existe el Copyleft, ¿es lo mismo que el Creative Commons?

El Copyleft, que precede al CC, viene del mundo del software libre y en principio no estaba pensado para música. Nosotros en su día declaramos nuestras canciones como Copyleft, de hecho creo recordar que creamos nuestra propia licencia. Más tarde nos pareció que Creative Commons era una licencia muy bien estructurada y con una base detrás, y decidimos adoptarla. La idea siempre fue no criminalizar a nuestros fans por descargar y compartir nuestras canciones.

E.G: ¿Qué es la Free Music Philosophy? ¿es compatible con mantener las ganancias de un grupo?

“Free Music Philosophy” es un manifiesto que se publicó hace muchos años, en 1998, y creo que fue el pistoletazo de salida para los músicos que, como nosotros, veían en internet una herramienta y no una amenaza, y querían aprovechar al máximo el primer canal de distribución al que los músicos tenemos acceso directo, sin estar controlado por discográficas o medios de comunicación.

Regalar música en internet es tan compatible con las ganancias como lo es (o era) sonar en la radio. La principal barrera a la que se enfrenta un músico, realmente el único problema grave y difícil de resolver, es dar a conocer su música. Conseguir que la gente la escuche y después, decida si le gusta o no. Es un problema que afecta a todos los artistas, a los superventas también.

Una vez que te has dado a conocer, si lo que haces es bueno y eres capaz de entablar una relación con tus fans, tienes toda la vida para vender conciertos y entradas, camisetas y merchandising, y sí, también CDs y vinilos. Todo es compatible.

E.G: ¿De qué forma puede beneficiarnos a los músicos y artistas en general?

Si nuestro principal problema es conseguir que nos escuchen, está claro que habrá que utilizar todos los medios a nuestro alcance, y creo que el primero en la lista es internet y la difusión libre de la obra. A partir de aquí, todo depende de lo cómodo que se sienta uno en el nuevo paradigma: hay gente obsesionada con que las canciones estén en streaming y no se puedan descargar, otros solo quieren regalar alguna canción. La realidad es que quien quiera conseguir la música gratis, lo va a hacer igual.

La era de hacerse millonario vendiendo o distribuyendo música grabada ha tocado a su fin. Eso no tiene nada que ver con la muerte de la música, que está más viva que nunca. Hay que aceptar estas nuevas reglas del juego y no cerrar los ojos y desear que sea 1984 de nuevo. No va a ocurrir.

E.G: ¿Qué hay que hacer para ser un “grupo Creative Commons? ¿cómo se “registra” una obra?

En España, la propiedad intelectual pertenece al autor por el simple hecho de crearla. El registro es declarativo y no constitutivo, con lo cual no es necesario registrar una obra. Para declararla como CC no es necesario ningún trámite más que adjuntar la licencia, aunque lo más sencillo es acudir a la web de Creative Commons, seguir los pasos y obtener la denominación de la licencia que queremos usar, con su correspondiente logotipo, y si somos técnicos, el código para insertar en la web y automatizar la búsqueda de obras CC.

E.G: Es verídico (y he pasado por la experiencia) que actualmente se enseña en cursos y escuelas privadas que es imposible salir adelante como músico profesional sin contar con la SGAE y otras entidades de gestión, ¿vuestro caso demuestra que es posible triunfar al margen de las entidades de gestión o sois la excepción que confirma la regla?

La realidad es que los afortunados que viven de la música vivirían exactamente igual de bien si no fueran socios de SGAE. Algunos, incluso mejor: si organizan sus propios conciertos y son autores de sus propias canciones, pasarían a ganar un 10% más por cada actuación. Editar sus discos también les sale más barato, ya que no hay que pagar los aproximadamente 0,60 € por disco de los derechos de reproducción mecánica de SGAE.

Es cierto que a alguna gente cada cierto tiempo le llega un cheque de SGAE, habitualmente irrisorio, pero no se dan cuenta de que la mayoría del dinero realmente ha salido de su propio bolsillo.

Finalmente, creo que es muy importante destacar que en la música donde se genera el dinero de verdad es en los conciertos. Es normal que haya artistas que con un solo concierto ganen más que con todas las ventas de un disco en una gran discográfica.

E.G: Es por ello que lejos de demostrar lo que las entidades de gestión quieren que creamos sobre la ineficiencia del Copyleft o Creative Commons a la hora de conseguir beneficios, a vosotros os ha valido ser el primer grupo español de la historia en tocar en Woodstock, actuaciones junto a consagrados como Bruce Springsteen o Slash y unas colaboraciones de auténtico lujo a nivel mundial, ¿cuál diríais que ha sido vuestra fórmula del éxito?

Nuestra fórmula (lo del “éxito” vamos a dejarlo fuera) siempre ha sido pensar de forma diferente, intentar cosas aparentemente imposibles y a veces, lograrlas. Tenemos claro que todas esas aventuras que nos han sucedido no hubieran ocurrido sin internet, en general, o si no nos hubiéramos animado a distribuir nuestra música de forma libre desde el principio, y tenemos una web desde 1996…

El tiempo que otra gente dedicó a temer a internet o a pensar cómo se podrían poner puertas al campo, nosotros lo dedicamos a soñar cosas e intentar realizarlas. Y a tocar y escribir canciones.

E.G: Me parece interesante reseñar que llegasteis a fundar vuestra propia discográfica, la cuál fracasó después de años luchando por mantenerla, ¿por qué no funcionó? ¿tiene algo que ver con el daño que las grandes discográficas hacen al panorama musical español?

Dentro de esos “éxitos”, también nos hemos llevado nuestros palos: durante muchos años luchamos por nuestra discográfica independiente, con la que editamos también a Elliott Murphy y a otros artistas, hasta que no nos quedó más remedio que aceptar que hay ciertas cosas, como la radio comercial o la televisión, que solamente están abiertas a las grandes discográficas, y no necesitan a nuevos miembros en el “club”.

E.G: Hoy en día para los que no somos Alejandro Sanz o Chenoa, es absolutamente absurdo esperar ganar dinero de las ventas de un disco, algo que nosotros hace años tenemos asumido pero ellos quieren evitar a toda costa, ¿por qué crees tú que los “músicos normales” debemos dar esto por supuesto y “los famosos” no?

Yo lo que veo es que quien no vendía discos, sigue sin venderlos, pero ahora tiene alguien a quien echar la culpa: sus propios fans, que son todos unos “ladrones”. Absurdo, ¿verdad? Y Alejandro Sanz creo que de momento sigue viviendo en Miami tan ricamente, así que no parece estar afectándole mucho esa supuesta pérdida de ventas. Que esa es otra, es una pérdida totalmente imaginaria, aunque eso es un debate muy largo…

El “músico normal” que antes vivía de la música y ahora, por culpa de internet, ya no es un personaje ficticio. O puede ser que simplemente sus nuevas canciones ya no gusten tanto como las antiguas…

Por otra parte, es muy sencillo echar las cuentas. Un artista en una gran discográfica tiene suerte (mucha) si se puede llegar a llevar un euro por disco vendido, eso después de que la discográfica haya recuperado TODOS sus gastos (grabación, promoción, vídeos, adelanto al artista, etc.), euro a euro, mientras se embolsan el resto de beneficios. ¿Cuánto cuesta una entrada para Alejandro Sanz?

E.G: ¿Cuál es vuestra motivación a la hora de sacar un disco? ¿qué esperáis de un nuevo trabajo?

En mi opinión, la música es un fin en sí mismo, no es el camino a ninguna parte: hacer música es el éxito. Nuestra meta es hacer canciones que gusten a la gente, que despierten emociones, y sobre todo, divertirnos haciéndolo; ya sea en el estudio de grabación o sobre un escenario. Es lo que más nos gusta y lo que queremos hacer.

No nos oponemos a ganar cantidades ingentes de dinero y lograr la dominación mundial, pero no es nuestra motivación principal.

E.G: ¿Ya no vendéis discos ni recibís ganancias cuando sonáis en la radio?

Seguimos vendiendo discos tanto en la web como en los conciertos, y hemos sacado un LP en vinilo que se está vendiendo mucho, sobre todo en los conciertos: cuando la gente ve ese disco azul transparente tan bonito se lo quieren comprar aunque no tengan tocadiscos!!!

Hemos abandonado lo de vender discos en tiendas por nuestra experiencia con la discográfica. Es muchísimo trabajo para ganar cuatro perras, seis meses después, y que encima si tu disco se vende no se molesten en pedir más, para luego decirte que ya no se vende… ¡pero si no está en las estanterías!

Las ganancias por sonar en la radio solamente las reciben “los de arriba” de acuerdo con los esquemas de reparto de la SGAE, que se basan en muestreos y en pagar más a los que se supone que más venden. Cuando la mayoría de músicos estaría dispuesto a pagar por sonar en la radio, no cobrar unas migajas por ello no parece un problema preocupante…

E.G: Y hablando de sonar en otros medios, estáis a un paso de sonar nada menos que en el espacio gracias a la NASA, nos gustaría saber más al respecto.

Es otra de esas cosas que nos pasan y que parecen mentira. Decidimos presentar una canción a un concurso de la NASA (por cierto, si estuviéramos en SGAE no hubiéramos podido ceder los derechos que pedían). Se presentaron 1.350 canciones de todo el mundo y estamos entre los 10 finalistas, de los cuales sonarán 2 en la última misión del transbordador espacial Endeavour. Os invito a visitar nuestra web donde está explicado todo en detalle, se puede descargar la canción, ver el vídeo… y votar!!! http://www.stormymondays.com/

E.G: Me gustaría conocer tu opinión personal como músico sobre la piratería

Miremos las alternativas legales. En el 2011, si sumas iTunes y Spotify, tienes un peor servicio y experiencia que el Napster de 1999. La culpa de que 12 años después no haya una alternativa “legal” (por llamarlo de alguna manera) la tiene la avaricia de las discográficas. Tiempo han tenido…

Por otra parte, mi postura respecto al acceso gratuito a la música se resume así: si una persona no tiene dinero para acceder a mi música, me parece muy mal impedirle escucharla. Si una persona que sí tiene dinero, decide no pagarlo, habría que preguntarse por qué. ¿Tal vez esa canción no sea suficientemente buena? ¿Tal vez sea un producto prefabricado, para consumir instantáneamente y olvidar?

Por otra parte, los músicos hacen lo mismo: cuando necesitan escuchar una canción, para aprender a tocarla, tampoco pagan por ella, y les parece normal, de hecho desde el punto de vista educativo, es maravilloso.

E.G: ¿Qué consejo/s darías a los grupos que buscan darse a conocer y conseguir lo que Stormy Mondays está consiguiendo?

Lo principal es la música: tocar bien y hacer buenas canciones. Vivimos en los últimos días de la cultura monolítica, ya no va a haber otros Rolling Stones ni otros U2 con giras mastodónticas. La música está destinada a ser un fenómeno más fragmentario, volverá a haber artistas de éxito local que serán desconocidos en otros lugares; también el fenómeno inverso, artistas conocidos en todo el mundo pero por una minoría de personas.

Haz buenas canciones y haz todo lo posible para darlas a conocer, pero que ello no te despiste de la música. El negocio musical te puede quitar las ganas de hacer música, no caigas en esa trampa.

David Bravo: Algunos músicos que producen sus propios discos y que no pertenecen a SGAE han manifestado algunas dificultades para sacar una tirada de discos porque la inercia de las empresas estampadoras hace que les pidan igualmente el pago a SGAE de forma previa, ¿sabéis algo al respecto? ¿Habéis tenido problemas en este sentido o conocéis a alguien que los haya tenido? ¿Qué solución se dio en su caso?

Hace unos años era casi imposible fabricar un disco sin ser socio de SGAE. Ahora las fábricas ya lo tienen más claro y, aunque te hacen firmar bastantes papeles, se puede hacer. Hay unas cuantas zonas “grises” o incluso de vacío legal que convendría estudiar, y el motivo es el siguiente: la LPI no está pensada para no querer pertenecer a SGAE. La ley está elaborada desde la perspectiva de que pertenecer a una sociedad de gestión es positivo y casi hasta obligatorio, con lo cual los supuestos de quien no quiera pertenecer no están cubiertos. David, te animo a estudiarlo. En este caso, la LPI faculta a SGAE a cobrar “preventivamente” derechos de autor. Si el autor se da de alta en los próximos 5 años, se los pagan. Si no, se reparte entre los de arriba.

Nosotros hemos tenido suerte y conseguido cosas casi imposibles, como editar un disco en directo con canciones CC y canciones Copyright (versiones) y pagar solamente a SGAE por las canciones que ellos gestionan. Esto es inaudito y ¡probablemente no se vaya a repetir nunca!

DB: El último informe de la comisión nacional de competencia sobre las entidades de gestión dice que aproximadamente un tercio de los socios de SGAE no recibe nada por sus obras porque éstas no se utilizan y que el 1’7% de los que algo reciben (unos 600 socios en total) se reparten el 75% de los beneficios. Vosotros habéis sido socios de SGAE, ¿cuál ha fue vuestra experiencia en lo que respecta al reparto de derechos?

Pues la misma que comentas, y la misma que tiene casi todo el mundo. Os decía más arriba que a todo el mundo le llega algo de dinero, pero no se dan cuenta que es dinero que han dejado de cobrar en los conciertos y dinero que le ha costado extra a la discográfica (o a ellos) por fabricar sus discos. La SGAE no funciona de forma democrática, sino que votan quienes generan un mínimo de dinero, y además acumulan más votos cuanto más generen, con lo cual no creo que vaya a cambiar.

Por suerte, nosotros nos dimos de baja y ya no nos tenemos que preocupar de esas cosas. Además, me gustaría añadir que nos llevamos muy bien con la oficina SGAE de Asturias y siempre nos han facilitado las gestiones.

DB: Personalmente interpreto el dato relativo a que solo 600 socios se reparten el 75% de los beneficios, no como muestra de que SGAE reparta mal sino más bien como muestra de que la industria propicia un mercado concentrado en unas pocas cabezas con objeto de conseguir que sea predecible, homogéneo y manejable. Intuyo por vuestra biografía (ese “las radios están cerradas a la música independiente”) que uno de los motivos del fracaso de vuestra discográfica se debió a lo difícil que es abrirse paso en un mercado concentrado en un pequeño oligopolio de cuatro grandes majors. Antes había una canción del verano y hoy en día, sin importar la fecha en la que estemos, todo parece canción del verano. Según vuestra experiencia, ¿qué papel crees que desempeñan las grandes multinacionales en lo que respecta a la diversidad musical? ¿Cómo combatir esta concentración?

Yo creo, y no soy el único, que la crisis musical no tiene nada que ver con el auge de internet, lo que ocurre es que han coincidido en el tiempo y así las discográficas y músicos llorones pueden echarle la culpa.

La crisis de la industria musical empezó a finales de los 80 con el énfasis en artistas de un solo éxito (“one hit wonders”, que siempre han existido), pero la estocada definitiva fue la consolidación de las grandes discográficas, las “majors” y su venta a grandes conglomerados multinacionales, a principios de los 90. Las discográficas dejaron de estar dirigidas por la gente de la música para ser simplemente un apartado más en la cuenta trimestral de resultados.

Las discográficas dejaron de hacer su trabajo, que consiste en buscar a esos artistas en los que invertir, para que muchos años más tarde, nos den ese rendimiento. Bruce Springsteen sacó su primer disco en 1973. Su primer número 1 fue en 1980, con “Hungry Heart”. No fue hasta 1984 y el disco “Born In The U.S.A.” cuando CBS pudo por fin recuperar todos esos años de inversión y hacerse “de oro”.

Las radios comerciales también dejaron de hacer su trabajo: buscar, de entre la oferta de las discográficas, esas canciones que van a llegar a más gente y que vamos a querer escuchar durante años. De repente se encontraron con que Kiss FM les había comido un millón de oyentes simplemente programando viejos éxitos. Curiosamente, en vez de decidir hacer mejor su trabajo, las radios decidieron dedicar el 50% de su programación a revivir sus éxitos también. ¿Qué van a poner dentro de 5 años?

Hace poco salió la edición 40 aniversario de lujo del mítico disco “Layla and other assorted love songs” de Derek and The Dominioes (Eric Clapton). Ya hubo edición 30 aniversario, y 20, y remasterizada, y vinilo reeditado, etc. ¿Alguien cree que dentro de 40 años habrá una edición de lujo del último disco de cualquier artista que ahora sea “superventas”?

DB: A mero título anecdótico, ¿sabías que el grupo Santa Justa Klan, cuya reseña promocional para El Corte Inglés decía de ellos que “apenas sabían tocar una nota”, fue número 1 en la lista AFYVE? Afortunadamente todo fue un muy detallado sueño de Antonio Resines.

No deja de demostrarse que el paso número uno para vender música es que la gente la escuche. Y la gente escucha lo que le ponen, las peronas normales no se paran a pensar si hay vida más allá de los 40 Principales, tienen otros intereses y preocupaciones más allá de la música.

DB: ¿Cuál es vuestra experiencia con los directos? Es un hecho que el número de conciertos se ha multiplicado en los últimos años, habiendo aumentado especialmente aquellos que se consideran, siguiendo la clasificación de SGAE, “conciertos normales” frente a los “grandes conciertos”. Sin embargo, también es tristemente conocida la experiencia de un sector de músicos que tienen que pagar por tocar, ¿cómo ha sido vuestro periplo en el siempre complicado mundo de los directos?

Aquí estamos sufriendo también una polarización: los grandes artistas lo venden todo, pero nadie acude a un concierto para descubrir a un grupo, al contrario de lo que fue la norma hasta hace una o dos décadas. Hay un cambio cultural. La música popular era el motor cultural y contracultural en los años 60, y el único medio de expresión que pertenecía en exclusiva a la juventud. Hoy en día el tiempo libre se puede invertir en muchas cosas, y la música tiene un papel secundario. También creo que no se ha potenciado y cuidado la música popular como parte de la Cultura con mayúsculas, no se valora ni se respeta, y la industria además se ha encargado de que esto no tenga solución.

En general, en la mayoría de los casos los músicos tenemos que “pagar por tocar”: hay que alquilar una sala, técnico, viajar, hotel, etc. Como decía, si no te conoce nadie puede ser una ruina. Si has conseguido que la gente conozca tus canciones, y le gustan, es fantástico. De ahí la importancia de saltar esa barrera, la de darse a conocer, porque nadie va a ir a un concierto de un grupo que no ha escuchado nunca. Eso pasó a la historia hace muchos años ya.

DB: ¿Tenéis manager? Muchos amigos y clientes músicos me han comentado que es el único intermediario que consideran realmente imprescindible para su carrera. ¿Es así en vuestro caso o lo gestionáis todo vosotros?

Nosotros lo gestionamos todo nosotros. Si entiendes como mánager un agente, que busca conciertos y se lleva su porcentaje, es el clásico caso de que cuando lo necesitas, no les interesas porque no das dinero; y cuando ya das dinero porque te lo has currado todo tú solo, ¿para qué lo necesitas?

Un manager puede abrirte puertas a las que tú no llegas, pero habitualmente se interesan más tarde y no cuando más lo necesitas.

DB: ¿Qué opinas de la Ley Sinde?

Me parece lamentable que el PSOE y el PP, que no se ponen de acuerdo en nada, se hayan puesto de acuerdo para esta chapuza legislativa, elaborada de espaldas a la ciudadanía. Erróneamente, quieren defender los derechos de autor por encima de derechos fundamentales, y el resultado además es una ley que no sirve para defender esos derechos y además crea una grave situación de inseguridad jurídica en la industria de las tecnologías de la información. Se han lucido.

Gracias a David por demostrar -una vez más- que su interés por la Cultura y los que la creamos es real y tangible, proponiendo y formando parte de este pequeño proyecto y a Jorge por tomarse su tiempo en responder para ayudar a promulgar lo que los músicos realmente necesitamos saber para abrirnos paso en estos delicados momentos para la industria.

Hay cierta parte que entiendo; a medida se ha ido acorralando al consumidor, mediante pagos de cánones (ahora ilegales), cifras injustificadas por productos culturales y leyes peligrósamente cerca de atentar contra Derechos Civiles fundamentales… a medida se ha ido forzando la doblegación de la sociedad ante “los que mandan” (empresas y políticos, por ese orden), más personas han llegado al “hasta aquí” y se han ido al otro extremo sin pararse en el medio a pensarlo. Puedo entenderlo porque quien evita la evolución pacífica acaba forzando, casi dando derecho, a la revolución violenta. Pero no entiendo y me sorprende la poca visión de gran parte de la sociedad, que ha “demonizado” la visión de mi gremio.

Muchos cuando traen la palabra “artista” a su cabeza se imaginan a una persona podrida de dinero, en sus mansiones, con sus cochazos y todas las facilidades inimaginables. A la vista de los últimos acontecimientos sociales y “declaraciones” (por llamar de alguna forma a lo que dicen algunos…), además conciben al “artista” como una persona ingrata, egoísta y con escaso contacto con el mundo real, que no ve más allá de su fortuna y cómo mantenerla, si puede ser, incrementarla. A toda costa. ¿Realmente no vais más allá?, ¿no veis que ésos son 2 de cada 2.000?, ¿cómo podéis pensar que esa gente nos representa a los demás? La mayoría NO estamos de acuerdo con las políticas de nuestras entidades de gestión, ni apoyamos la nueva ley, ni queremos tomaros el pelo con el precio que nos obligan a poner a nuestros trabajos. Ni mucho menos somos ricos, el que vive al mes de su trabajo como artista sin trabajar en nada más es lo que se llama en nuestro mundo un enorme afortunado. Estamos más atrapados en todo este asunto de lo que pensáis, esperando a que reviente la burbuja y se pueda ver por dónde ha reventado. Y no contamos con el apoyo de uno, ni el de otros. ¿Sientes tú que apoyas el Arte?

A veces pienso que muchos simplemente no quieren ver más allá, porque con la excusa “yo ya no compro discos/libros porque paso de pagarle el Ferrari a… ¡lo que tienen que hacer son más conciertos!”, pueden justificar su “todo gratis” para todo lo demás. Y es un problema, no sólo para los músicos y demás artistas, sino para aquellos que realmente defienden la causa de la Libertad Cultural y el avance de la -mal llamada- “industria de la Cultura”, pues la envenenan y le dan una excusa a muchos para tener por dónde coger el asunto y salir adelante tirando con todo. Sinceramente, no creo que si te dedicases a la carpintería te gustase que la gente te obligase a construir sólo mesas porque por las sillas ha decidido no pagarte, pese a invertir tú el material y el dinero en ellas, además de ser tu especialidad y lo que más te gusta crear. Pero cómo vais a decirle a los músicos que nos tenemos que dedicar a los conciertos, ¡si no vais! Llenar estadios está a la orden del día para adolescentes con voz de mujer y ladies extravagantes; nosotros tocamos por menos de 10€ en pequeñas salas, muchas veces penósamente acondicionadas y nadie más que nuestros conocidos vienen a vernos. No sé si sois conscientes de que no todos los músicos han nacido para el directo, sino para la composición, los arreglos, la producción… Todos esos músicos no dan conciertos, ¿no tienen entonces derecho a cobrar por su trabajo porque no lo hacen como vosotros consideráis?

Lo han dicho abogados e intelectuales como David Bravo y Eduard Punset; Alex de la Iglesia cambió todo lo que le habían dicho “en casa” por la misma idea: no se trata del todo gratis, ni de acorralar a la sociedad: SE TRATA DE EVOLUCIONAR. De cambiar el sistema de negocio, de dar un paso para adelante. De ajustarse a los nuevos tiempos y sus nuevas tecnologías. Pero eso no se puede hacer si nadie está dispuesto a ello: ni las empresas por no reducir sus ganancias, ni la sociedad por no invertir un sólo duro en Cultura (y sí en la millonada que cuesta beber alcohol un viernes por la noche). Si seguís sin querer invertir un céntimo las empresas y los políticos van a seguir teniendo de dónde coger el asunto para abusar de todos: creadores y consumidores de Arte. Os quejábais de que un disco costaba 20€; ahora Spotify os pone un catálogo de música que no da tiempo a escuchar en toda una vida por 5€ al mes y habéis puesto el grito en el cielo, ¿cómo esperáis entonces que se mantuviera su sistema?

Hay que parar la ola, sino los verdaderos artistas nos vamos a ver condenados al ostracismo por culpa de unos pocos, que además son los únicos que realmente viven bien de esto y por los otros que dan criterio a esos pocos para representarnos. No hablo de pasar por el aro: hablo de concienciación. Lo dije ya en otros artículos, la sociedad y el mundo del Arte estamos a una en esto, formamos parte de la misma vida, de la misma existencia. La sociedad necesita del Arte y el Arte de la sociedad, sino ambos vamos a vernos empobrecidos y los únicos que van a ganar son los de siempre: los artistuchos y las empresas. Yo seguiré mi labor de concienciación, seguiré hablando en nombre de todos aquellos que han renunciado a tanto en nombre del verdadero Arte y defenderé la justicia que el Arte se merece (que no es la que el Ministerio de Cultura le “ofrece”). Seguiré dando ejemplo, seré la primera en invertir siempre en Cultura y seguiré usando el Copyleft en todos mis trabajos, musicales y escritos. ¿Qué piensas hacer tú?, ¿sientes que estás apoyando la Cultura?

El cambio está en manos de todos.
Esperanza Galera.

Me parece importante derribar este mito cuanto antes, pues está creando una peligrosa escuela de músicos incompletos que creen en un único camino para hacer las cosas, el suyo, perdiéndose una de las mejores cosas de la música: la enorme diversidad de posibilidades. Unas posibilidades que se ven trístemente diezmadas por prejuicios como éste, que hacen que no desarrollemos todas las capacidades que tenemos, las cuales, cuanto más tengamos, más alas nos darán para hacer lo que queramos, sea la música que sea, el estilo que sea, el sonido… No te auto-limites a ti mismo, expande tus cualidades todo lo que puedas e ignora lo que diga los demás: muchos que no consiguen sus sueños les dicen a los demás que no podrán hacerlo.

Sinceramente, sin querer sonar polémica, creo que la única razón por la que este debate ha existido tanto y de forma tan pasional, es por pura auto-justificación, la de “los puristas” para no ponerse a currar en serio la técnica y la de los más “virtuosos” para no salir de lo estipulado de siempre para buscar su propio sonido y originalidad por miedo a descubrir que quizás nunca lo encuentren.

Sé real.

Esperanza Galera

Si el elemento más básico de la construcción de un edificio son los ladrillos (pese a sus otros muchísimos elementos vitales), el de la música son los intervalos. A la hora de diferenciar entre las 4 escalas menores básicas con casi la misma estructura, de notar el semitono que hace de un acorde mayor uno menor, de sacar las más enrevesadas melodías de tu solo favorito; es el reconocimiento de intervalos el que te dotará de las herramientas necesarias. Puedes escuchar acordes mayores y menores hasta conocer perfectamente su sonoridad y no fallar nunca en su reconocimiento, pero cuando la cuestión se amplíe más allá (que lo hará, y no poco), vas a necesitar mucho más que reconocimiento. Un entrenamiento auditivo sólido comienza por los intervalos y a base de práctica, acaba por el puro reconocimiento del que se ha machacado a practicar. Y si algún día te falla la percepción o aprendes algo más, el recurso de identificar intervalos a la perfección seguirá contigo para sacarte del aprieto. En el primer artículo de entrenamiento auditivo vimos los recursos, hoy, cómo empezar a trabajar.

Los intervalos en la escala mayor
No voy a profundizar por ahora en la teoría que rodea a los intervalos: internet está sobresaturado de toda esa información y yo misma lo expuse ya en el número 13 de Cutaway Guitar Magazine. Además por escrito se hace algo denso de explicar, por lo que prefiero aligerar la información y recomiendo estar con el instrumento en mano o el programa elegido para tu entrenamiento. Por ahora vamos a centrarnos en el aspecto auditivo de los intervalos. Vamos a empezar por los que hay dentro de una escala mayor (para los ejemplos vamos a usar la de DO), tomando como referencia la tónica (DO) y reconociendo los intervalos que hay desde ella: de segunda (RE), tercera (MI), cuarta (FA), quinta (SOL), sexta (LA), séptima (SI) y octava (DO). La mejor forma de empezar es aprender la sonoridad de los que forman la triada mayor (tónica, tercera y quinta, y vamos a incluir la siguiente octava aguda) y luego ir rellenando los huecos que quedan entre ellos.

Método de trabajo
Repetición, repetición y repetición, ¿hay algo en la música que no se domine de esta forma? Vamos a ver cómo se trabaja el oído por el método de oído relativo, es decir, tocando siempre primero la tónica. Pon en tu programa los intervalos de DO a MI (tercera), el de DO a SOL (quinta) y el de DO a DO agudo (octava) o tócalos con tu instrumento apreciando atentamente las diferencias, los espacios entre ellos. Es ABSOLUTAMENTE IMPRESCINDIBLE que cantes y que con tu voz seas capaz de emular los intervalos, de lo contrario no conseguirás terminar de desarrollar tus habilidades. Hazlo hasta que seas capaz de reconocerlos de forma individual y en cualquier tonalidad y cantarlos a partir de cualquier tónica dada. Para esto los programas de entrenamiento auditivo tienen unos tests que puedes repetir hasta la saciedad. Una vez tengas dominados esos tres intervalos mete el intervalo de segunda (de DO a RE) y haz lo mismo. Cuando lo domines y tengas claro que no lo confundes con el de tercera (de DO a MI), mete el de cuarta (de DO a FA). Haz lo mismo con el de sexta (de DO a LA) y séptima (de DO a SI).

Y acabamos con un truquillo: eso lo he oído yo antes…
Si al principio te cuesta un poco hay un truco muy interesante y es que canciones mundialmente conocidas por todos tienen intervalos muy característicos que podemos utilizar para recordarlos. Por ejemplo, un intervalo de quinta (de DO a SOL) podemos encontrarlo en las dos primeras notas de la canción de la Guerra de las Galaxias, ¡seguro que no se te vuelve a olvidar! Hay muchos más ejemplos por toda la red, en páginas como ésta o ésta otra. Busca aquellas canciones que vayan contigo, ¡la lista es interminable!

Trabajad bien los intervalos, cuando tengáis los de la escala mayor es importante ir conociendo otros como el de tercera menor (el intervalo que manda a la hora de decidir si una escala o acorde es mayor o menor… o suspendido). En el próximo artículo iremos con los acordes y algunas progresiones interesantes, ¡a darle duro!

Esperanza Galera

¡¡Gracias a Antonio Calatayud por pasarnos el vídeo!!

El control auditivo es uno de los recursos más valiosos y trascendentales que existen para un músico, una “muleta” que mejora la capacidad de trabajo en cualquier especialidad, campo o estilo, estés tratando técnica, sacando un tema o componiendo. Sus utilidades bien merecen la pena el trabajo necesario para cultivar nuestra capacidad auditiva, pero, ¿cómo se trabaja el entrenamiento auditivo? Hoy trataremos los recursos a nuestro alcance para ello.

A la antigua usanza
Seguro que a muchos os ha venido ya a la cabeza multitud de programas con incontables funciones y ejercicios, ahora los veremos, pero no os dejéis engañar: para trabajar el oído no nos hace falta más que un instrumento y un poco de teoría. Estudiando la música y sus entresijos rápidamente empezamos a ver “intervalos”, “estructuras”, “acordes”… Una serie de aspectos que forman parte de las bases de la música que podemos llevar al instrumento y tocar, comprobar su sonoridad, trabajarla, jugar con ella, experimentar… Las posibilidades se tornan infinitas cuando tenemos ganas de aprender y pasar horas con nuestro instrumento. Hacerse con la sonoridad de las escalas, aprender distancias interválicas, identificar acordes; todo ello se puede hacer sólo con nuestro instrumento y ganas de trabajar en serio. Sin duda la opción más económica.

Programas de entrenamiento auditivo
¿Has pasado del anterior párrafo y te has ido directamente a éste? No te culpo, aunque algunos disfrutemos más con la experimentación musical en primera persona, los programas de entrenamiento auditivo se han convertido en un recurso tremendamente práctico, poniendo al alcance de cualquiera un aprendizaje sencillo y efectivo para mejorar nuestro oído empezando desde cualquier nivel. Basta con buscar en internet para ver la amplia carta de opciones, aunque sí me gustaría hacer hincapié en el programa por excelencia: EarMaster (disponible para Mac y PC). Su fama no viene regalada; desde sus comienzos en 1994, el equipo de EM ofrece una aplicación funcional y práctica, con una interfaz sencilla pero efectiva que te ofrece seguir el programa de un “tutor” que te ayude desde 0, o editar tus propios ejercicios. Ofrece su paquete essential por 29.95 € o el paquete pro, para aquellos que van en serio, por 69.95 €, ¡una inversió a tener en cuenta si es así! También hay opciones más económicas como la web solfeo.org, ¡echa un vistazo a ver qué te parece!
Pero hay algo que no debes olvidar: si no practicas con alguna asiduidad, ningún programa podrá ayudarte a mejorar tu capacidad auditiva. Ponte todos los días 15 minutos o al menos asegúrate de darle un repaso un par de veces a la semana, ¡lo que no se practica se olvida!

Y la tecnología nos llegó al bolsillo
¡Pero los hay que nunca tenemos suficiente! Y un largo viaje, el metro, o cualquier otro lugar impensable (¿quién no ha musiqueado en el baño alguna vez?) se pueden convertir en aulas de entrenamiento auditivo con la tecnología de los tablets y smart phones, como el iPhone, para el que por ahora se encuentra la mayor oferta de aplicaciones de ear training del momento. Algunas de ellas: Relative Pitch, Do Re Mi, Ear Tester, Ear Man, Solfi… Personalmente después de haber invertido bastante dinero y probarlas prácticamente todas encontré mi panacea: Karajan, con su versión beginner gratuita o la completa por 11’99€. Su precio es bastante considerable para una aplicación, pero si la usas te puedo asegurar que es un dinero de sobra bien invertido, pues no hay quien la supere en opciones de configuración, posibilidades e interfaz. Se podría decir que es el equivalente de EarMaster para iPhone (y iPad), con una interfaz bastante agradable y multitud de posibilidades aprovechando el funcionamiento táctil de los dispositivos.
Para los curiosos o los que se plantean esperar, EarMaster actualmente NO trabaja en ninguna versión móvil de su popular programa, pero ha informado que en cuanto finalicen la producción de su nueva versión, EarMaster 6, se pondrán a ello.

Eso es todo por hoy, prepara tus libros, apuntes, programas o recursos y en el próximo artículo de entrenamiento auditivo te empezaré a explicar paso a paso cómo trabajar para mejorar día a día nuestro oído, ¡hasta ser todos unos ear masters!

Esperanza Galera

Nota: Trabajando actualmente en una vídeo lección para mostrar algunos de los programas arriba mencionados.

Como muchas otras cuestiones que envuelven las disciplinas artísticas, no hay una única realidad o percepción que arroje luz sobre el tema. La RAE dice: “medida de una cantidad con referencia a una escala determinada” y el problema es precisamente que esa escala determinada no existe como tal, cada uno tiene su criterio y en base a él se puede autoevaluar o evaluar a los demás en el dominio de su instrumento. Pero como músicos que somos muchas veces eso no va a ser suficiente y vamos a necesitar mucho más que nuestro criterio: queremos conocer realmente qué piensan los demás. Quizás por pura vanidad, quizás porque por mucho que tú te creas con un nivel “aceptable” si los demás te ven con muchas carencias, dudas de la realidad. Según el criterio de unos tendremos más, según el de otros, menos, según cómo nos levantemos un día u otro nos consideraremos de forma distinta. Resulta realmente una locura basar tanto en una cuestión tan etérea e indefinible. Sea como sea estamos igual: ni sabemos lo que es el nivel exactamente ni como medirlo de alguna forma fija.

Pero…
Imaginemos por un momento que conseguimos olvidarnos del nivel que podamos tener, que por un instante nos deja de importar cómo consideren los demás que tocamos y ni siquiera nosotros mismos tenemos interés en catalogar nuestra capacidad. Lo único que nos importa es la capacidad en sí que tengamos, en tenerla realmente y cultivarla. Que apuntamos lo que vamos trabajando, o nos grabamos y escuchamos atentamente lo que hacemos, lo analizamos, encontramos los fallos y centramos nuestra mente en mejorar los aspectos en los que flaqueamos. En el momento en el que deja de importarnos y obsesionarnos el nivel con el que medir nuestra capacidad, realmente podremos centrarnos en ella y trabajarla de verdad: entonces verdaderamente mejoraremos.

Te van a seguir preguntando qué nivel tienes, vas a seguir viéndolo por todas partes y vas a poder buscar respuestas en libros, escuelas, métodos, foros… Pero cuando eso ocurra, no te aceleres en responder, simplemente toca, siéntete a gusto y disfruta con lo que haces. Al final, el criterio positivo de algunos, el negativo de otros, el nivel con el que te vean los demás, seguirá siendo algo etéreo, difícil de definir e irregular, mientras que la felicidad y autosatisfacción que tendrás contigo mismo se quedará como un hecho factible y te enriquecerá mucho más y a un nivel (éste sí importa) mucho más interno. Te ayudará a seguir para delante, mirar viejos vídeos y grabaciones con orgullo: no sabrás ni el nivel que tenías antes ni el que tienes, sólo que has mejorado. Y eso vale mucho más que cualquier etiqueta.

Esperanza Galera.

1. Antes de ponerte a grabar, planifica lo que vas a hacer. Es bastante importante tener claro cuál va a ser el resultado final que queremos. si no lo haces así, lo mas probable es que acabes grabando mil millones de cosas y volviéndote loco.
2. No temas grabar las cosas por separado. Luego podrás unirlas con tu editor de vídeo favorito.
3. Utiliza micrófono ( para la voz) y no temas “enchufar” tu guitarra al ordenador. Con esto conseguirás que el sonido tenga una mayor presencia, evitarás la entrada de ruidos indeseables y ( en el caso de la guitarra) podrás editar el sonido y añadir efectos si es necesario.
4. Graba el sonido con la cámara… y con tu ordenador al mismo tiempo ( para eso estamos utilizando lo del  punto 3)
5. Graba con bastante luz. Si puedes conseguir luz natural mejor, y también puedes iluminar un poco más las zonas que mas interesa que se vean con una lampara de mesa o haciendo rebotar la luz de una ventana con una cartulina blanca.

Son 5 consejos muy básicos, pero que harán mejorar bastante tus vídeos. En el caso de la grabación con micrófono o directamente en el ordenador me voy a detener un poco más…

Para grabar el sonido de un vídeo, tampoco es necesario contar con grandes medios técnicos. Obviamente si tenemos un buen equipo mejor que mejor, pero con lo que tenemos por caso algo podremos hacer ( no esperes que quede igual).

Es importante que grabes el sonido por separado en tu ordenador, para tener control absoluto sobre el resultado. En el caso del micrófono está claro como conectarlo. En el caso de la guitarra, lo suyo es contar con una buena tarjeta de audio, aunque con la que viene con los ordenadores también lo puedes hacer. Sólo tienes que conectar tu ampli a la entrada de linea del ordenador. No es una solución muy profesional ( mas bien nada), pero obtendrás el sonido de tu guitarra con todos los efectos que utilices.

Para grabar si te recomiendo que utilices un software de audio medio decente. Una buena solución es REAPER, yo lo he empezado a usar hace poco tiempo, da muy buen resultado ( puedes hasta utilizar simuladores de efectos y amplis por VST) y es muy barato ( prueba de 30 dias y 40€ la licencia con descuento…).

Una vez tengas todo ok y conectado, el proceso es el siguiente. Elige la escena que quieras grabar, graba con la cámara y graba con el ordenador.

IMPORTANTE: lo primero que tienes que hacer es una “claqueta”, si, como en el cine. Con que des una palmada bastará. Depués haz lo que tengas planeado ¿Para que sirve esto?, para sincronizar el sonido del ordenador con el de la cámara.

En el momento de la edición deberás unir vídeo y audio. En los editores de vídeo actuales esta tarea es bastante fácil si tienes una claqueta, debes hacer que suenen a la vez las claquetas de la cámara de vídeo y las grabadas en ordenador. De esta forma, una vez sincronizadas, el resto del sonido irá al tiempo que lo que ocurre en la cámara y podrás eliminar el sonido de la cámara. Prometo detallar cómo se hacen estas cosas en el futuro, de momento os dejo con un vídeo en el podréis ver la diferencia entre el sonido grabado desde la cámara y el que obtendríamos “cocinándolo en el ordenador”…

Por lo visto, según el criterio de algunos (cada vez más popular por el mundillo de internet) ser humilde es no reconocer JAMÁS que algo se te da bien. Si lo haces, pecas de ego, de sobrado y creído. Y se equivocan.
Ser humilde consiste en ser consciente de lo que no se sabe y no se es, pero no tiene nada que ver con desmerecer hipócritamente lo que SÍ se sabe y SÍ se es.
Cada uno tiene lo que tiene, y es lo que es, basta ya de criticar a los que se abren al mundo sin miedo alguno a mostrar de lo que son capaces, sólo porque los hay que sí tienen miedo de abrirse y descubrir que no hay nada que realmente se les de bien. Quizás utilizar el tiempo criticando a los demás tenga algo que ver con el poco desarrollo de sus capacidades, excepto la de la crítica destructiva, que se desarrolla exitosa y fructíferamente.

Y finalizo: Si para caerle bien a algunas personas no sólo no voy a poder mostrar mis cualidades, sino que además debo desmerecerme hipócritamente y hablar sobre lo mal que lo hago todo, voy a caerle mal a MUCHA gente. Pero prefiero ser una persona auténtica con identidad propia a ponerme una máscara para caerle bien a caras desconocidas detrás de un monitor, y demás. Es una pena, pensaba que antes de juzgar ferozmente era necesario conocer a las personas.

“Quien no acepta a los demás, suele no aceptarse para empezar a sí mismo”

Guitarra es una de las especialidades a elegir

Segunda parte: 21st Century Music

En la primera parte de Crónicas desde RockSchool vimos la enorme importancia de elegir bien nuestro centro de estudios, por qué había que informarse bien y pensárselo despacio. Dependiendo del plan de estudios que cada escuela diseñe, nuestra formación variará notablemente pese a llegar todos al mismo objetivo: titularnos de forma oficial en música moderna. Puesto que estoy cursando el de guitarra en algunos momentos seré más específica en él, aunque en aspectos generales lo que comento es válido para todas las modalidades. Una vez tratado ese punto tan importante voy a continuar compartiendo la experiencia de cursar el RockSchool, pero sería imposible hacerlo sin antes explicar cómo es la escuela que he elegido, por qué la he elegido y cómo ha concebido este punto de irreflexión en los estudios de música de España y Europa. Permitidme que comience antes con una pequeña valoración personal y humana antes te explicaros su plan de estudios, porque hay algo que, bajo mi experiencia, diferencia la 21st Century Music (Madrid) de todas las demás escuelas de música. Aunque es algo que hace falta experimentar para comprender, voy a intentar acercaros la experiencia.

Respirando música

Y es que no es fácil comenzar por algún lado la descripción del lugar que, siendo mi escuela, se ha convertido en mi hogar. A lo largo de ya muchos años ha hecho a alumnos de todas las edades, estilos y gustos sentirse parte de una misma familia y es un hecho que queda latente en la opinión común de todos ellos: desde el primer día que entras por la puerta de ese modesto local de la Calle Roma te sientes como en casa. Es reseñable añadir que antiguos alumnos comentan que incluso cuando dejan la escuela el sentimiento queda ahí y pueden volver de visita y sentirse exactamente igual. Y es que lo que ha creado Jaume Pla con la subdirección de David Negrón y su excepcional equipo de profesores no es sólo una escuela de música. Es mucho más, es un centro de -me vais a permitir que lo diga- éxtasis musical donde RESPIRAS música a cada instante, te llenas de motivación, alimentas tu pasión y regeneras tus energías en aras a una única fuerza: La Música. Gracias a la apasionada dedicación de cada una de las personas del equipo de profesionales de la escuela por hacer esta utopía musical posible, quien ha pisado alguna vez la 21st Century Music sabe que ir a aprender puede llegar a ser sólo una excusa para ir a experimentar ese ambiente único de música, buen rollo, energía positiva y calidad humana en todos los que lo hacen posible: profesores y alumnos. Como digo, es algo que hace falta experimentar para comprender, así que recomiendo a quien tenga la ocasión, probarlo alguna vez, independientemente de la titulación.

21st Century Music y RockSchool: La ventaja de la escuela madrileña sobre las demás

Pero para elegir nuestro centro de estudios profesionales no nos podemos conformar con que se trate de un sitio agradable. Es nuestra formación y por ende, nuestro futuro el que está en juego y además de contar con un ambiente de aprendizaje óptimo, tiene que ser un centro referente en la pedagogía musical, con una didáctica fresca y efectiva que haga al alumno disfrutar aprendiendo, crecer musicalmente y le ayude a encontrarse a sí mismo en su propia especialidad musical. Y es justo todo esto lo que encontramos como alumnos de la 21st Century Music. Hay un dato que marca la gran diferencia entre la 21st y las demás y se debe a un inteligente movimiento por parte de su dirección al unificar el Curso Profesional 21st Century Music, un curso intensivo de 11 meses que cuenta con años de experiencia y se ha convertido en toda una garantía de calidad profesional, con el RockSchool de Londres, siendo así la única escuela del país que prepara a sus alumnos para ser titulados en los 8 grados del RS en un solo año. Partimos entonces de una base de calidad garantizada con unos contenidos probados y previamente estipulados con el mejor criterio, reduciendo al mínimo el margen de error latente en toda nueva titulación que otros centros han tenido más dificultades para controlar en su primer año impartiendo la titulación oficial de rock. Tenéis la información del curso profesional de guitarra en este link, os recomiendo mirar abajo del todo la programación de contenidos del primer trimestre para conocer a fondo lo que se cuece nada más comenzar el curso. Comprobaréis que en la 21st no se restringen al RockSchool, sino que amplían con su curso una enormísima variedad de contenidos de gran valor didáctico.

Y así queda explicado por qué he elegido la 21st Century Music como mi centro de estudios y por qué espero cruzarme con algunos de vosotros que me leéis en un futuro, puesto que a día de hoy no imagino mi vida sin asistir a ese lugar cada semana. Para más información, horarios y precios, llamad al 91 713 01 80 o escribir un mail a info@21st-cmusic.com.

Esperanza Galera

Fuente: Muy Interesante

1. Mejora el vocabulario

2. ¿Música de fondo?: Tanto si reproducimos una canción de Lady Gaga como si optamos por un disco de música clásica, escuchar música mientras desarrollamos una tarea cognitiva -como estudiar o redactar un informe- reduce el rendimiento, según un artículo publicado hace poco en Applied Cognitive Psychology. Lo mejor en estos casos, dicen sus autores, es el silencio.

3. Ritmo para hacer deporte: Científicos de la Universidad de Brunel demostraron en 2008 que escuchar cierto tipo de música, fundamentalmente de los géneros rock y pop, podemos aumentar nuestra resistencia al ejercicio físico intenso hasta un 15%. El estudio fue publicado en la revista Journal of Sport & Exercise Psychology.

4. La música, por la izquierda: Según un estudio realizado hace unos años en las universidades de California y Arizona (EE UU) y publicado en Science, el oído derecho recoge mejor los sonidos del habla, mientras que el izquierdo, responde mejor a la música. “Incluso al nacer, el oído está estructurado para distinguir entre los diferentes tipos de sonidos y enviarlo al lugar correcto en el cerebro”, concluía una de las autoras del estudio, Barbara Cone-Wesson.

5. Música y alcohol: La música alta en los bares incita a beber más alcohol en menos tiempo, según una investigación francesa difundida en 2008 por la revista Alcoholism: Clinical & Experimental Research. Además, cuanto más alto es el volumen de la música más rápido se consume la bebida.

6. Buena para la circulación: Científicos del Centro Médico de la Universidad de Maryland han demostrado que escuchar música puede beneficiar al sistema cardiovascular tanto como hacer ejercicio o tomar ciertos medicamentos. Concretamente, analizando la respuesta de los vasos sanguíneos con ultrasonidos mientras escuchamos música, Michael Miller y sus colegas comprobaron que el diámetro de los vasos, medido en la parte alta del brazo, aumenta un 26% con nuestra música favorita. En contraste, la música que calificamos como estresante hace que los vasos se contraigan un 6%. Los experimentos mostraron también que escuchando canciones que invitan a reír los vasos sanguíneos se dilatan un 19%, mientras que la música relajante produce una expansión del 11%.

7. Con los ojos cerrados: Estudiando los cerebros de 15 sujetos con ayuda de resonancia magnética funcional, Yulia Lerner, de la Universidad de Tel Aviv, demostró el año pasado que cerrar los ojos aumenta el efecto emocional que nos produce la músca. Concretamente la doctora Lerner utilizó música de miedo del estilo de la empleada por Alfred Hitchcock en sus películas.Y comprobó así que la actividad de la amígdala, una zona del cerebro vinculada a la sensación de miedo, aumentaba mucho más con los ojos cerrados que si se mantenían abiertos.

Fuente: Muy Interesante

La música, como pocas profesiones (que las hay, véase la informática), no es estudiar un examen para aprobarlo y después olvidar, para terminar con los estudios cuanto antes y lanzarse al mundo laboral; se trata de una carrera de fondo (y no una poco exigente) sin límites ni final que dura mientras vivas. El músico de hoy no puede nacer con talento y sentarse a esperar que lleguen las ofertas de trabajo bien remuneradas, las llamadas de grandes producciones y la (por algunos) ansiada fama. Aunque quiero centrarme en la figura de los músicos en el siglo XXI, hay algo universal que me gustaría mencionar que de una hermosa forma compartimos y siempre compartiremos con los grandes compositores de la historia, de la misma manera que aún conservamos parte del ADN de antepasados ancestrales: El talento no es más que el punto de salida. Una valiosísima semilla que sólo crece apoyada en la vocación, en un abono de inagotable pasión, regada a base de una continua atención y dedicación, absoluta entrega y, lo más importante, imperturbable perseverancia. Muchos hay que se hacen llamar músicos, pero sólo son los de verdad los que así consiguen que el talento pase de semilla a fruto.

Tanto en música clásica como moderna (sea jazz, rock, blues o metal) es la misma la fórmula para llegar a ser un gran músico, pero por una serie de leyendas y tópicos (quizás antaño ciertos y no tanto), en el caso de algunos estilos se piensa que ninguna de las cualidades como la disciplina y la constancia forman parte del ensalzamiento del músico. Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Joe Satriani, John Petrucci, Paul Gilbert… músicos rockeros y metaleros (en este caso guitarristas) que siguieron la misma fórmula para alcanzar el éxito: el trabajo duro. Y todo esto, a base de incontables horas en soledad encerrado con el instrumento y con un máximo nivel de competitividad, en la mayoría muy sucia y desleal. La música es trabajo, es constancia y es sacrificio, ya basta de desmerecerla.

Las nuevas tecnologías entran en escena
Ya sabemos a grandes rasgos qué es ser músico, pero, ¿qué abarca ser músico en el siglo XXI? Aquí sí compartimos algo con muchas otras profesiones: diversificar. ¿El problema?, que el 100% de la diversificación recae en una única persona, lo cual es un aliciente más a la dureza de esta profesión. Las nuevas tecnologías y la torpeza de la industria musical para adaptarse a ellas nos empuja a necesitar saber mucho más que tocar, ya que si las discográficas no se adaptan y no reducen el margen de sus ganancias, habrá que saltárselas como intermediarias y el “yo me lo guiso yo me lo como” pasa a ser la máxima para sobrevivir en la profesión. Hay que saber de composición (los hay que nacieron sólo para la -aunque excelente- interpretación) y hacerlo bien, ya no vale “sonar a tus influencias”. Si esperas grabar alguna vez (¿necesita un escritor escribir?) has de meterte de lleno en aspectos de la informática para controlar la informática musical. Además, dominar de grabación, sonido, acústica, luthería y producción (que se dice pronto, hay gente que dedica toda su carrera a uno sólo de esos campos) es obligación de todo músico que quiera vivir de la música en este siglo. ¿Y qué es de todo tu esfuerzo si pese a hacer un excelente trabajo no dominas la autopromoción? Intérprete, compositor, técnico de sonido, productor, informático, publicista, promotor, manager… Eterno aprendiz.

Y aún así se nos EXIGE que ganemos nuestro sueldo de conciertos a los que no se asiste, que nadie quiere pagar de un grupo sin fama y que sólo por dar nos supone unas pérdidas de un mínimo de 250€ (alquiler de la sala, tenemos que pagar por tocar), sin hablar de conciertos que suponen viajar a otras ciudades… Eticamente, no se puede obligar a un profesional a dedicarse a otro campo especifico de su profesión porque “he decidido que no me da la gana pagarle” por su campo actual. No se puede dejar de pagar a un traductor por sus clases de inglés porque decidimos que debe ganarse su sueldo como intérprete (ignorando si ésa es o no su especialidad).

No, este articulo no trata de llorar por lo mal que nos va a aquellos que nos tiramos a la piscina en vez de coger otra opción más segura, sabemos dónde nos metemos y debemos ser consecuentes con nuestra elección. También soy consciente de que hay profesiones tan duras (aunque en otros aspectos) y algunas que incluso más, pero creo que está en mi deber moral como artista y como músico denunciar nuestra situación y dar a conocer al mundo la verdad (que los músicos curramos y mucho) puesto que los últimos acontecimientos referentes a la Propiedad Intelectual han puesto en evidencia el pésimo, escaso y prácticamente nulo conocimiento de la sociedad por el VERDADERO mundo de la música, no el que se deja ver por la tele. Debido a las polémicas levantadas por las abusadoras acciones de la SGAE y después por la no menos abusadora Ley Sinde, la sociedad se ha puesto en contra de toda adquisición justa de música, dejando a los verdaderos artistas en una situación muy complicada (no sabemos por dónde salir). Os necesitamos, necesitamos que conozcáis la verdad y antes de condenar a todos los artistas, os deis cuenta de que los culpables de vuestras quejas son un 5%, justo el 5% que más gana de una industria que agoniza a la espera de un cambio para poder avanzar. Las empresas, lejos de buscar un cambio progresista, loable y realista, se agarran a un clavo ardiendo y van en sentido contrario de sus intereses a largo plazo y los nuestros con leyes como la Sinde. Si además nos falta el apoyo de la sociedad, que lejos de apoyarnos nos condena por ideas equivocadas, ese cambio nunca se producirá y seguiremos ambos bandos jodidos a merced de los poderosos.
Si estáis de acuerdo con este humilde manifiesto, difundid estos contenidos (no importa el medio, la web o el autor) y hagamos que el mundo de la cultura levante cabeza entre quienes han de hacerlo: Sociedad y Artista. Jamás empresarios avariciosos.

Esperanza Galera.

Voy a intentar desvelar unos cuantos “trucos” para darte a conocer a través de Internet.  No esperes que te desvele grandes secretos, pero sí intentaré dejarte claras unas cuantas cosas. Pensaba empezar mas flojito, pero si no lo digo reviento. Si piensas que por estar en Internet (YouTube, MySpace, etcétera) te van a ver millones de personas y vas a ser más famoso que los Rolling en poco tiempo… ¡Vas listo!, eso, simplemente, es mentira, y de las gordas.

Una cosa es que POTENCIALMENTE tu contenido esté disponible para CHORROmillones de usuarios y otra es que esos navegantes reparen en tu vídeo, MySpace y además les guste. Dicho esto, ¿qué puedo deciros?, pues unas cuantas cositas:

1. CUIDA TU CONTENIDO : Los “zombies” del marketing en Internet, tienen una cosa clara: “EL CONTENIDO ES EL REY”. Esta afirmación es cierta SIEMPRE. Nos guste o no, estamos “vendiendo” nuestro arte y tenemos que hacer lo posible porque resulte atractivo. Si echas un vistazo a los vídeos de YouTube de cualquier “JUSTIN BIEBER” de turno, comprobarás que la calidad del vídeo no es mala, el audio es casi perfecto y la iluminación no es precisamente con bombillas ahorradoras.
2. Ten disponible un lugar al que llevar a tus fans: esto es importante. No seas un homeless electrónico. Es necesario que tengas una “casa propia” donde controles lo que tienes, lo que no, lo que cuelgas, lo que vendes, un lugar donde el que quiera saber cosas “oficiales” sobre ti o tu grupo tenga donde ir. Es desde este lugar desde donde vas a proyectar la imagen y reputación que quieres que tengan de ti.
3. Extiende tu presencia 2.0: Ahora que tienes el contenido bonito y un lugar donde guardarlo “oficialmente”, es el momento de “divulgar la palabra”. Canal en youtube, página en facebook, chocita en myspace, tweeter, y un sinfin mas de sitios. No te vuelvas loco y utiliza cada canal para una cosa diferente. Por ejemplo tweeter te permitirá tener contacto y comunicación directa con tus fans, ¿un cambio de última hora de show? tuitéalo, en Facebook podrás organizar el evento y tener feedback de aquellos que van a ir o no a tus conciertos. Aquí te doy los lugares mas básicos, pero si buscas seguro que encuentras foros de todo tipo, blogs, etc.
4. ¡Participa!: ¡La promoción no se inventó para los tímidos!. No basta con estar, tienes que ser activo/a. Pero no te comportes como un absoluto necio. NO abras la boca sólo para decir “mira que grupo tan bueno tengo”. Habla de los demás y que los demás hablen de ti ( preferiblemente bien), aporta cosas nuevas ¿una duda en un foro que puedes resolver? ¡¡hazlo!! es la mejor manera de tener un montón de contactos
5. SAL DE INTERNET: si, has leído bien. A no ser que te dediques a hacer conciertos por videoconferencia, necesitarás salir y tener contacto con la gente. ¿Has probado a ir a  los conciertos de tus contactos en facebook/myspace? yo lo he hecho, y después me han correspondido con su visita en mis conciertos. También es una buena forma de conseguir “bolos” ¿has probado a hacer un concierto junto a un grupo que acabas de conocer? es la mejor manera de darte a conocer a otros públicos ( los del otro grupo concretamente)

Con estos cinco puntos no te aseguro el éxito, pero nadie dirá que no lo has intentado. Recuerda ser constante en todos ellos. Todos los detalles son importantes.

No pretendas comerte el mundo en dos días, eso no lo consiguen muchos, empieza por tu entorno cercano y poco a poco extiéndete por los diferentes lugares. Es una carrera de fondo, no un sprint. No gastes tus fuerzas al principio, porque probablemente las necesitarás mas adelante.

Esto es todo por hoy, espero que mis consejos os sean de utilidad.

PD: ¿se te ocurren puntos que añadir? no te cortes, ¡¡estamos esperando tus sugerencias!!