Tras el mes de descanso que tuvimos en febrero, seguimos con los Apadrinados de Rocking in the Free Blog, este mes con una apuesta completamente distinta a la última que albergamos. Su nombre: Tapiporla, un grupo del norte de España con una apuesta original y brillante en una composición fresca con toques comerciales de calidad.

Cuando toca hacer la prueba de sonido de un concierto, mientras se prepara el técnico, los músicos van tocando alguna cosilla… un riff por aquí… la entrada del concierto… otro riff por allá… Ése fue el momento en el que eché el ojo a los gallegos de Santiago. Durante la prueba la cosa pintaba bien, pero fue durante el concierto cuando Tapiporla desplegó toda su magia de la mano de unos temas frescos, originales, bien compuestos y, ante todo, rodeados de creatividad. Aunque fue la composición de los temas lo que me enamoró de los de Santiago, la puesta en escena estuvo a la altura en todo momento, aportando un ambiente agradable e íntimo, especialmente de mano del micrófono y guitarra, Pablo, que supo presentar su grupo correctamente y amenizar la actuación con divertidas intervenciones. Acompañándole con la guitarra también, Diego, un talentoso joven que no dejó indiferente al público con su preciosa Telecaster. Por supuesto, en un grupo con una composición tan cuidada, el bajo no podría brillar por su ausencia y de eso se ocupa con honores, Picazo, con unas líneas cuidadas y trabajadas. Para finalizar el cuarteto, Martín a la batería dando una lección de buen hacer tras la percusión, eligiendo con sorprendente destreza el mejor ritmo y arreglo para cada tema. La batería no es sólo una base, amigos, también es música y eso Martín, como el resto de Tapiporla, lo sabe.

Por todo ello, este mes hemos elegido Tapiporla, un grupo que, de persistir como lo están haciendo, llegarán muy, pero que muy lejos, especialmente a los oídos cansados de oír la misma música en decenas de grupos distintos. Escúchalos en su MySpace.

Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera

El día antes de una actuación importante, DUERME bien. Si notas la garganta dañada y no hay otra solución, sé que es muy difícil, pero NO HABLES nada, y si tienes que decir algo, trata de no susurrar, porque es lo peor que puedes hacer. Al susurrar en vez de hacernos menos daño, como podríamos pensar, estaremos forzando a las cuerdas a producir los sonidos usando muchísimo caudal de aire, y aunque parezca que nos hacemos menos daño, es falso.

Otra cosa a tener en cuenta cuando estamos malos o con carraspera, es que debemos tratar de no toser fuerte. No es nada recomendable destoserse, porque vamos a irritar más nuestra garganta. Si tenemos tendencia a hacerlo, hemos de tratar de cambiar nuestro mal hábito. Y si es algo pasajero, fruto de un constipado, mejor tomar remedios de la abuela y curarse lo antes posible.

Entre tanto, cero forzar, osea que, sintiéndolo mucho… cero cantar.

¿Has visitado alguna vez a ese médico de nombre impronunciable (otorrinolaringólogo) y le has pedido que te examine las cuerdas vocales y la laringe? Al igual que un músico lleva sus instrumentos a un luthier, es una buena costumbre hacerse una revisión cada cierto tiempo, si te dedicas a cantar. Una laringoscopia no es una prueba dolorosa, (sólo un poco incómoda), pero te mirarán todo muy bien con una microcámara, y te quedarás más tranquilo.¡Prevenir es curar!

Caramelos de menta, juanolas… mientras estamos cantando. La menta, el mentol y cualquier otro componente que ayude a que la garganta se abra, se enfríe y deje de doler, estará provocando que si nos hacemos daño, el cuerpo no “responda” y no nos podamos dar cuenta. Haz la prueba, toma un trago de agua después de tomar menta… frío, ¿verdad? La menta “nos engaña”, así que mejor evitarla mientas cantamos.

“Calentar la voz” no significa traducido a nuestro idioma: “Tomarse un chupito de orujo antes del concierto para calentar las cuerdas”…  el alcohol es un enemigo acérrimo del agua, y debemos CALENTAR con ejercicios, e HIDRATARNOS antes de salir y DURANTE el concierto… cualquier cosa diferente, no vale y mucho menos, si crea el efecto contrario.

Olvídate de darle tragos al cubata mientras estás cantando…  quedará muy chulo y muy rockero, pero entre el hielo, el azúcar y el alcohol, a la tercera canción estarás poniendo el micro al público para que canten por tí.

Invierte en un humidificador: Siguiendo con la hidratación, los pliegues vocales necesitan estar lubricados con una capa delgada de mucosa para poder vibrar eficientemente. Un medio ambiente de aire seco ya sea por la calefacción ó el aire acondicionado, y climas con poca humedad en el aire son enemigos de la hidratación de las mucosas. El uso de un humidificador puede compensar la sequedad así como aliviar otros problemas como los ronquidos nocturnos.

Gema A. Vau

Después de dos semanas de descanso continuamos con las encuestas a nuestros lectores. Esta semana queremos saber cómo te iniciaste en la música, qué te hizo coger el instrumento, quién te influenció para empezar…

¿Cómo empezaste en la Música?

¡Tened una semana fantástica! Este mes de marzo me inspira muchas buenas vibraciones para todos nosotros ;)
Esperanza Galera

• Para los guitarristas: la velocidad de crecimiento de tus uñas es directamente proporcional a la cercanía del gran concierto.
• Cuanto más a la vista pongas las partituras para no olvidártelas, más alta es la probabilidad de que llegues a la actuación sin ellas (y, por supuesto, no tengas ya tiempo suficiente de regresar a cogerlas).
• Esto es verídico: vamos a un concierto y un amigo pregunta “¿qué hay antes del concierto?” y responden, “los teloneros” y el dice, “joder con los teloneros, deben de ser buenos porque tocan en todos lados”.
• Cuántas veces me habrán hecho el chiste de “¿vas a un curso de flauta? jajaja como la de American Pie” y a continuación dicen la famosa frase de la película. En fin…
• Siempre en las fiestas de la familia y amigos, te invitan para que seas la banda personal del grupo, si te niegas todos te lo reprochan, pero si vas y tocas lo que sabes, no quedan contentos, porque no tocas la que quieren escuchar y hasta a veces ni se la saben.
• Es Ley de Murphy que antes del ensayo afines las cuerdas, y lo vuelvas a afinar luego para, que cuando tengas q tocar nuevamente, esté desafinado.
• La probabilidad de presionar el botón de los ritmos en el teclado es inversamente proporcional a lo importante del concierto…
• Si el último ensayo antes de actuar es bueno, ponte a temblar: tendras 1001 problemas el día del concierto.
• Teoría del rayazo invertida: Si quieres que tu instrumento te dure siempre usa uno barato, viejo y malo.
• Teoria del rayazo aumentada: Si el instrumento aparte de nuevo, es caro, la probabilidad de rayazo se multiplica proporcionalmente a su valor.
• Tocando en un exterior siempre se levantará viento y enviará las partituras al quinto pino en el pasaje más difícil. Asimismo, tocando instrumentos eléctricos como un teclado, siempre lloverá lo justo para no suspender el concierto pero sí para provocar algún cortocircuito o joder los mecanismos.
• Laud: Dícese de aquel instrumento que te pasas media vida afinando para luego estar la otra media vida tocando un instrumento desafinado.
• La calidad del sonido de la sala disminuye de manera proporcional al aumento de oyentes atentos.

Rocking in the Free Blog,

Esperanza Galera

1. Tu punto de vista se amplía en cuestión de días
2. La Música es un lenguaje; su teoría, parte de él
3. Comprendes tus movimientos sobre el instrumento
4. Tu amor hacia la Música se intensifica
5. Sin ello no puedes pensar en la Música como profesión
6. Comprender la teoría en la práctica aporta una sensación indescriptible de satisfacción
7. Descubrir los hilos que lo vinculan todo, más
8. Aumenta la sensación de tener una “identidad” como músico
9. Te hace sentir más realizado
10. El estudio y conocimiento de la Música no aporta talento a los músicos mediocres, pero su carencia sí supone una barrera a los talentosos y una auto-imposición de límites

Mucha gente comienza a desarrollar de forma autodidacta su manera de cantar por imitación. Alguna voz dentro de nuestro estilo o estilos favoritos, nos llama la atención, nos emociona o nos provoca admiración, y comenzamos a imaginar cómo podríamos producir esos mismos sonidos.

No es raro, ya que desde pequeños aprendemos a hablar y a gesticular por imitación.

Es un gran punto de partida, encontrar un sonido que nos guste y tratar de desarrollar nuestro estilo en base a  él. Muchas veces sentirse identificado con una voz, nos ayudará a dar nuestros primeros pasos y a divertirnos mucho realizando covers y lanzándonos a coger un micro para imitar a nuestros ídolos. Divertirse en esto de la música, es primordial; luego con el tiempo pasaremos de ser “imitadores” (o “intento de”) a ser cantantes con estilo propio e influencias de tal o cual cantante.

Pero cuando llegamos a la teoría, conocer nuestro rango vocal o tesitura (de qué nota a qué nota llegamos con comodidad y sin hacernos daño) es una forma inteligente de abordar nuestros estudios, para (simplemente) no intentar abarcar piezas que se escapen de momento a nuestras posibilidades, no hacernos daño y no frustrarnos.

Aunque estoy en contra de etiquetas y pienso que ponerse límites es un error, a mi juicio no lo es el tratar de conocer qué tipo de instrumento tenemos (no es lo mismo un violín que un cello, y no por tener un cello debemos despreciarlo y pasarnos la vida queriendo ser un violín…) Todos los tipos de voces son bellos, y simplemente, cada uno tiene sus posibilidades y sus puntos fuertes. Asimismo, hablo del punto de partida. Con trabajo y clases se puede conseguir reforzar las notas cómodas, conseguir unos graves poderosos  e incluso aumentar la tesitura, convirtiéndonos en unos cantantes más que versátiles y solventes, aunque no tengamos los graves de Elvis Presley o los agudos de Christina Aguilera.

La clasificación fundamental de las voces se realiza en función a los límites de altura (de grave a agudo) entre los que una voz se mueve sin dificultad, que es lo que se denomina tesitura.

Mujer:

• Soprano: (tesitura: do4 a do6) Es la voz más aguda. Puede ser ligera, lírica o dramática.
• Mezzosoprano o Mezzo: (tesitura: la 3 al la 5) Más grave que la soprano. Suele dividirse en dos grupos: Mezzo ligera y mezzo dramática.
• Contralto: (tesitura: fa3 al fa 5) Es la voz femenina más grave pero en la actualidad la más difícil de encontrar en el mundo de la ópera, por lo que sus papeles suelen representarlos mezzosopranos.

Hombre:

• Tenor: (tesitura: do3 al do5) ) Es la voz masculina más aguda. Se puede dividir en lírico, ligero y dramático.
• Barítono: (tesitura: sol2 al sol 5) Más grave que la de los tenores, puede ser ligero o cantante y barítono-bajo.
• Bajo: (tesitura: re 2 al re4) Es la voz masculina más grave. Se subdivide en cantante y profundo.

Publico esta entrada para comunicar a todos nuestros lectores que este mes de febrero la productividad del blog se ha visto afectada por cuestiones personales de varios de los redactores, entre los que me incluyo. Por ello este mes no habrá apadrinamiento, ya que  hasta esta semana no hemos podido dedicarle el tiempo necesario al grupo de febrero y no nos parece justo que sólo gocen de dos semanas de promoción y no de cuatro como todos los demás. Las cosas, mejor hacerlas bien.

Por lo demás, volveremos a la productividad acostumbrada a lo largo de la próxima semana, ofreciendo como siempre lo mejor de nuestro conocimiento, noticias, ejercicios y… ¡música!

Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera

Esperanza Galera

¡Atentos! Muse ha anunciado las fechas de este año y sólo toca España en su capital, el día 16 de junio, en el estadio Vicente Calderón. Nada nos hace pensar que vaya a aumentar su paso como ya hizo en noviembre por Barcelona y conseguir entradas se está convirtiendo en toda una odisea. Primero Live Nation sacó una preventa desde ayer día 8 a las 10h hasta hoy a las 9h, momento en el cuál ha cogido el relevo SeviCaixa para continuar con la preventa durante este día 9 y mañana 10. Las entradas tienen varios precios, desde los 35€ en adelante. ¿Mi pronóstico? Las demás saldrán oficialmente a finales de semana y no durarán más de dos días, si es que pasa del primero. Por ello desde aquí os aviso, ¡estaros muy atentos!

Después del palo que nos llevamos muchos tras quedarnos sin entradas en menos de cinco días para Madrid, intentaremos que no se vuelva a repetir.

¡Mucha suerte! Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera

¡Aquí estamos una semana más! El ganador de la encuesta ¿Por qué tu instrumento y no otro? es… la número 3, de Dave Imbernön, que además lleva varias semanas en el tintero de las mejores respuestas, ¡enhorabuena y gracias a todos por participar!

Esta semana tenemos una pregunta de Gabriel Puig, que nos expuso desde nuestra página en Facebook. Es algo específica, pero me resulta muy interesante…

¿Qué calidad de fabricación de instrumentos dirías que tienen los distintos países?

Japan, China, EEUU, Indonesia, Korea, México… ¡Adelante! Os deseamos como siempre una semana fantástica.

Esperanza Galera

Rocking in the Free Blog apuesta por Megara, esperamos con ganas sus próximos movimientos.

Esperanza Galera

Gabriel, que no se conforma con músicos mediocres, llevó su cuarteto original de estudio, a excepción de una baja al piano que solventó con un sorprendente polifacético Walter Lusarreta, maestro tanto a la guitarra, como al saxo, éste último muy acertado a la hora de sustituír la melodía en “Milonga de Otros Vientos”. Sorprendentes los arreglos que se efectuaron para sustituir un instrumento tan completo y complejo como lo es el piano, con otra guitarra acústica. A la batería, José San Martín dio una valiosa lección sobre cómo tocar la batería con corrección y complejidad (sorprendente hasta para Gabriel al final de “Hablemos tranquilos” :p) usando en todo momento brushes o escobillas, las “baquetas del jazz”. Me llamó especialmente la atención que no tuviera bombo, sino un pedal debajo del tom base, siendo su kit formado sólo una caja, un charles, dos platos, un pequeño splash y el tom mencionado. Al bajo, Jorge Cerrato, compatriota de Gabriel, no paró uno solo instante de hacer líneas y líneas de jazz. Músico divertido y gran bajista.

El concierto comenzó con un par de temas del primer disco de Gabriel y continuó metiéndonos de lleno en Cosas Sin Decir. Durante la duración del concierto se mantuvo una sensación de “familiaridad” y en todo momento se sintió a los músicos como conocidos cercanos. Sonaron en Arte Bar toques argentinos con “Milonga de Otros Vientos”, bellezas como “Noche y Octubre” y “Despertar”, jazz contemporáneo bajo “Hablemos Tranquilos” (cuyo riff principal no se me quita de la cabeza) y el broche de cierre (a.k.a, bis jaja) al más puro estilo latino con “Andar al Sol”, con el que el cuarteto acabó de conquistar al público. En general, Cosas Sin Decir nos transmite una composición trabajada con mucho mimo, cariño y pasión, con calidad en todos sus temas mezclando jazz, fussion y algo de folclore latinoamericano, sobresaliendo el argentino. En un estilo tan “difícil de tragar” para las masas como lo es el jazz, Gabriel ha conseguido crear unos temas cálidos y agradables, fácilmente apreciables para oídos inexpertos, además de los amantes del jazz de siempre. No pasan desapercibidas las horas que se han debido invertir para concluir con un disco de esta calidad musical.

Desde el mismísimo Buenos Aires hasta la capital española, la trayectoria del músico argentino no es precisamente insustancial. Ha participado en múltiples agrupaciones en diversos estilos, predominando el jazz y dado y recibido clases por ambos continentes durante largo tiempo. Actualmente se encuentra presentando su nuevo disco por España (después de su rápido paso por Argentina este mes pasado) y dando clases en la prestigiosa Escuela de Música Creativa.

Desde Rocking in the Free Blog permaneceremos pendientes a próximas fechas y composiciones del artista argentino.

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Esperanza Galera

Contacta y escucha más de Gabriel Szternzstejn en:
Myspace
Last.fm
Web oficial

1. El instrumento te corresponde
2. Te escucha SIEMPRE que lo necesites, sea lo que sea que tengas que contar
3. No entiende de horarios, edad, condición, ni sexo
4. Es una de las más efectivas terapias para acabar con el estrés y la tristeza entre múltiples problemas (algunos serios)
5. Los que no resuelve, ayuda a sobrellevarlos mejor
6. Te hace sentir realizado
7. La Ciencia ha demostrado que tocar libera endorfinas
8. Tu creatividad se expande y tu visión de ver la vida cambia
9. Es útil para amenizar una tarde cualquiera
10. Tocar un instrumento es un hobby socialmente bien acogido

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Esperanza Galera

Al igual que en la guitarra, en el bajo existen armónicos naturales, que se encuentran en puntos concretos del mástil, y podemos generarlos tanto si tocamos con púa, como si lo hacemos con los dedos. Existen también otros tipos de armónicos (tapeados, artificiales,…), pero será objeto de siguientes artículos. Veamos cómo funcionan y dónde encontrar los armónicos naturales en el bajo eléctrico:

1. Armónicos Naturales: fundamento
Normalmente cuando se toca una nota en el traste 12 de nuestro bajo eléctrico, estamos “acortando” la longitud de la cuerda para obtener un pitch mas alto. La cuerda sólo esta vibrando desde el traste número 12 hasta el puente de nuestro instrumento. En cambio, cuando estamos tocando un armónico sobre el traste 12 lo que estamos provocando es que la cuerda vibre tanto del traste 12 hacia el puente, como del traste 12 hasta la cejuela. El único punto que no vibra de la cuerda, en este caso sería el propio traste 12, y lo llamaremos nodo. Hemos conseguido que la cuerda vibre en dos secciones de igual longitud.

Si ahora tocamos el armónico natural en el traste número 7 lo que conseguiremos será que la cuerda vibre en tres secciones de igual longitud, existiendo dos nodos: el traste número 7 y el traste número 19. Como experimento puedes tratar de tocar el armónico natural en el traste número 19 y verás que es exactamente el mismo que en el traste número 7. Además si tocas el armónico en el traste número 7 y después tocas la cuerda a la altura del traste número 19 comprobarás que la nota no se apaga puesto que en ese punto no está vibrando.

Ahora probremos con el traste número 5. Conseguiremos hacer vibrar la cuerda en cuatro secciones de igual longitud y obtendremos tres nodos: Traste número 5, número 12 y número 24. En este caso obtendremos el mismo armónico en el traste número 5 y en el 24… pero ¿que ocurre con el número 12? Pues en este caso, el traste número 12 sonará una octava por debajo del armónico del traste número 5 y 24. Esto se debe a un fundamento físico que no voy a explicar aquí, pero podríamos resumir todo esto en unas pocas líneas:

Si cojes cualquier cuerda con la misma tensión en todos sus puntos y la divides por la mitad, harás que suene una octava por encima. Si sigues dividiendo la cuerda por mitades, las siguientes octavas se encuentran en tramos cada vez mas cortos de cuerda. Por esta razón, cuando tocas un armónico natural en el traste número 12, éste suena una octava por encima de la nota de esa cuerda tocada al aire. Tocar un armónico en el traste 5 ó 24 hará que la cuerda se divida en mitades de nuevo, obteniendo cuatro secciones y por esta razón la nota sonará una octava por encima de la que conseguiríamos en el traste 12.

2. Armónicos Naturales: cómo tocarlos
Producir armónicos naturales es muy sencillo: tan sólo tenemos que colocar el dedo en cualquier cuerda, por ejemplo en el traste 12. Pero colocaremos el dedo sobre la cuerda, sin pulsarla contra el diapasón y sobre el traste propiamente dicho, es decir, a la altura de la pieza de metal. Después pulsaremos la cuerda como sabemos hacer y casi al mismo momento separaremos el dedo de nuestra mano izquierda de la cuerda. Para que suene nítido es necesario un poco de práctica, pero no te desanimes e intentalo las veces que sea necesario.

3. Armónicos Naturales: dónde tocarlos
El proceso que describíamos en el punto 1 de división de la cuerda puede continuar y continuar, pero hay que tener en cuenta que cuanto mas pequeñas sean las zonas de cuerda que vibran, mas difícil será obtener un armónico natural que suene correctamente. Si me preguntases dónde está el límite, te diría que depende de tu habilidad y la forma de tus dedos, pero por norma general podemos decir que estos son los armónicos naturales mas utilizados (los decimales que ves, son para representar el lugar aproximado donde colocar el dedo para conseguir el armónico):

• 12: Suena como la nota pulsada, y una octava por encima de la nota de la cuerda al aire.
• 7 ó 19: Suena una octava por encima que la nota pulsada.
• 5 ó 24: Suena dos octavas por encima de la nota de la cuerda al aire.
• 4 ó 9 ó 16: Suena dos octavas por encima de la nota pulsada.
• 3,2: Suena una octava por encima del armónico en el traste número 7.
• 2,7: Suena tres octavas por encima del la nota que se encuentra a un intervalo de distancia de la nota de la cuerda al aire.
• 2,2: Suena tres octavas por encima de la nota de la cuerda al aire.
• 2: Suena tres octavas por encima de la nota pulsada.
• 1,8: Suena una octava por encima del armónico en el traste número 4.

Más adelante veremos más tipos de armónicos, cómo conseguirlos y sobre todo, cómo introducirlos en los temas que toquemos.

Yoryo.

Esta semana exponemos una pregunta de Pedro J. Tellez, que nos escribió sugiriéndonosla y nos pareció un tema bastante interesante. Queremos saber por qué tocas tu instrumento, sea éste cual sea, en vez de cualquier otro. ¿Qué tiene la guitarra que no tenga el piano? ¿Por qué te atrae mucho más el sonido de un bajo? ¿Cuáles son las razones para pensar que el piano es el padre todos los instrumentos?…

¿Por qué elegiste y tocas tu instrumento y no otro?

Como siempre, os deseamos una excelente semana.

Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera