Durante la reforma de la notación musical precursada por Guido D’Arezzo (Para saber mas sobre Guido D’Arezzo Pulsa Aqui), la Iglesia se percató de algo que le pareció mejor ocultar, un acorde muy disonante que parecia provocar desazón, tristeza… eso debia ser obra del mismisimo Diablo; El acorde de Samael, la musica de Satanás, el canto de Lilith… el Tritono pasó a ser perseguido y se le bautizó como “Diabulus in Musica” o el “Mi contra Fa”, su interpretación era duramente castigada por la Santa Inquisición y los Altos cargos eclesiasticos, de hecho se penaba como una invocación al Maligno

Entre el Siglo V y el XV la música dejó de tener un acorde para cada nota, el séptimo acorde, aquel cuyo tritono encarnaba al mismisimo Lucifer, aquel a quien los griegos llamaron Locrio… se perdió en la noche de los tiempos.

Y llegó el 1685 que trajo a Bach y de su mano el Barroco, en este periodo las prohibiciones sobre el “Acorde Maldito” se fueron relajando aunque su uso estaba limitado a crear una tensión transitoria, a ser un acorde de paso, nunca a tomar presencia en la obra.

Aparecen en el 1725 y el 1733 las dos primeras referencias que mencionan el mi contra fa escritas por el compositor vienés Johan Joseph Fux y el maestro alemán de finales del barroco Georg Philipp Telemann que actualmente mantiene un record guiness como el compositor mas prolífico de todos los tiempos con mas de 800 obras acreditadas a su firma, para quien desee investigar mas las obras fueron tituladas “Gradus ad Parnassum” y “Mi contra Fa, lo que los Antiguos llamaron Satán en Música”

Con Liszt, Waggner, Vivaldi ya llegado el romanticismo el tritono revivió completamente y se usaba mas que nunca, para crear atmósfera en las obras de la epoca, ejerciendo un papel dominante en la música descriptiva, aquella que representaba los sentimientos del ser humano…

Esa es la historia sobre el sonido mas oscuro creado por la humanidad.

¿Conocias algo acerca del tema? Haznoslo saber con tus comentarios y alentarás esta sección, gracias

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Sergio González

Sin dudarlo yo diré que NO; casualmente antes de empezar a leer sobre el tema estaba escuchando algo que me fascina y me abstrae de la realidad, los estudios para piano del gran compositor y si se me permite decirlo “virtuoso genio del Romanticismo”, Fryderyk Franciszek Chopin. Voy a poner estos estudios como ejemplo para analizar esta riña entre Expresividad y Técnica. Al decir “estudio” todo el mundo piensa en escalas, arpegios, intervalos, acordes… cosas carentes de sentimiento simplemente como deciamos mas arriba, “técnica”, algo para mejorar. Los estudios de Chopin se han convertido en piezas clave del repertorio de piano ya que son de las mas desafiantes y complicadas que podemos encontrar, pero al mismo tiempo son evocadoras, emocionantes y expresivas.

Voy a dejaros un vídeo de la gran Valentina Lisitza interpretando el Estudio Opus 10 nº 4 de Chopin. Juzgad por vosotros mismos y comentad, nos interesa vuestra opinion.

Por ultimo os dejo una lista de los estudios de chopin para que investigueis si os ha gustado el Opus 10 nº 4

* Op. 10, para piano (1829-32)
o N.º 1 en Do mayor “La cascade”
o N.º 2 en La menor “Chromatique”
o N.º 3 en Mi mayor “Tristesse”
o N.º 4 en Do sostenido menor “Torrent”
o N.º 5 en Sol bemol mayor “La négresse”
o N.º 6 en Mi bemol menor
o N.º 7 en Do mayor “Toccata”
o N.º 8 en Fa mayor “Sunshine”
o N.º 9 en Fa menor
o N.º 10 en La bemol mayor
o N.º 11 en Mi bemol mayor “Arpeggio”
o N.º 12 en Do menor “Revolucionario”

* Op. 25, para piano (1835-37)
o N.º 1 en La bemol mayor “La harpe éolienne”
o N.º 2 en Fa menor “Les abeilles”
o N.º 3 en Fa mayor “Le cavalier”
o N.º 4 en La menor
o N.º 5 en Mi menor “La fausse note”
o N.º 6 en Sol sostenido menor “Aux tierces”
o N.º 7 en Do sostenido menor “Au violoncelle”
o N.º 8 en Re bemol mayor “Aux sixtes”
o N.º 9 en Sol bemol menor “Le papillon”
o N.º 10 en Si menor “Aux octaves”
o N.º 11 en La menor “Le vent d’hiver”
o N.º 12 en Do menor “L’océan”

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Sergio González

¿No dan ganas de intentarlo? ¡A por ello!
Esperanza Galera

Pese a su aspecto méramente científico en un principio, no tardamos ni dos párrafos en darnos cuenta que, pese a basarse en el punto de vista de la ciencia, trata cada página con la sensibilidad propia de un músico. Y es que el autor, no sólo es un reconocidísimo neurólogo a nivel internacional, sino que mucho antes de empezar a estudiar psicología y más tarde neurología, llegó muy alto como productor musical, trabajando con grandes músicos de la planta de Santana, Journey o Whitney Houston.

No quisiera desvelar más detalles, os lo recomiendo 110% como un grandísimo libro que todo músico que se precie debería leer en algún momento de su vida para conocerse mejor a si mismo y al indescriptible vínculo que le une a la música. Podéis adquirirlo en multitud de librerías.

Esperanza Galera

GR AMPS
Además, el guitarrista berciano fichó recientemente por la marca de amplificadores customizados, GR AMPS, la cual se dedica a montar cajas y amplificadores a válvulas a gusto del consumidor. En esta ocasión Víctor se decidió por el modelo JGM 850+, basado en el mítico JCM de Marshall, pero con unas modificaciones en el Gain de las válvulas que le da un toque más moderno al sonido crunch del Marshall.

Quién sabe cuál será el próximo paso de de Andrés, del que ya circulan varios rumores por la red sobre su próximo movimiento, aún si confirmar de forma oficial por su representante. Estaremos atentos para ser los primeros en informar.

Os invito a descargar o adquirir los DVDs para echarles un vistazo (no voy a juzgar a nadie, sólo diré que esta señorita cobra 300 dólares por la clase de una hora). También están en youtube, por si queréis curiosear antes.

Gema A. Vau

Más info en:
Web de Melissa Cross: http://www.melissacross.com/home.php
Melissa en acción con la cantante de Arch Enemy: http://www.youtube.com/watch?v=IdjoK8D6DwI
Muy buen blog sobre el canto extremo: http://cantoxtremo.blogspot.com/

• “Tranquilo, que cuando esté lleno de gente cambia la acústica” Y tanto que cambia, ¡¡suena mucho peor!!
• Desde que se inventó el Sibelius salieron compositores de debajo de las piedras y de la propia tierra… Como los zombies de Thriller para que os hagáis una idea
• Estás tocando delante de gente, por ejemplo una sonata de Beethoven muy difícil, y viene alguien y te dice: -”¿Sabes tocar nosecual tema de Queen?” -Uy, pues no… -”Ahhh, ¿y te sabes nosequé canción de La Oreja de Van Gogh? Ésa que empieza tarirotiti tiii…” -Mmm la verdad es que no… -”¿Y sabes tocar la canción de las letras del final de C.S.I? ¡Es que me encanta!” -Ehhh, no…  ”¡¡Pues vaya mierda de músico!!”
• Todo el mundo diciéndote “toca algo, venga, toca algo” y cuando por fin accedes, se ponen a hablar de sus cosas… muy triste… xD
• Asústate cuando todo sale bien en la prueba de sonido… algo mal pasará en el concierto
• Para pianistas: cuanto más sutil y pianísimo sea un pasaje, más ruido harán los pedales.
• Tocas una obra de un compositor de música contemporánea. Te la inventas porque es intocable. Luego llega el compositor y te dice “la mejor interpretación que he oído jamás”
• Siempre los que tocan las canciones más populares serán considerados los mejores músicos
• A una compañera clarinetista le preguntaron que por qué su clarinete no era de oro como el de Kenny G, y añadieron, ¡claro, como no eres famosa no te lo puedes permitir!
• Cuando te preguntan “¿eres bajista?, es el instrumento más fácil, ¿no?” y tú respondes “¿conoces a Jaco Pastorius?”, cuya respuesta, por supuesto, es negativa…
• El líder de la banda siempre es para la gente el cantante
• Que te salga perfecto un ensayo es directamente proporcional a la cagada del proximo bolo
• A un amigo mío le paró la guardia civil, le abrieron el estuche del violín y al verlo ¡quisieron desmontarlo por si había algo raro dentro!
• ¿Y qué hay del pipí? Meas cinco minutos antes de salir a tocar, pero… en el segundo antes de poner un pie en el escenario, ¡te meas otra vez! Pero si no quedaba más, ¿¡cómo es posible!?

Esperanza Galera

No te agobies
Aunque probablemente te cueste no sentirte culpable cuando ya llevas 2 semana y pico sin si quiera oler la guitarra, recuerda que estás de vacaciones y éstas no durarán eternamente; hay que aprovecharlas ahora que las tenemos, especialmente para recargar las pilas. Puede que te suene raro viniendo de un artículo ideado para animarte a tocar, pero el agobio ante una tarea concreta no hace más que bloquearla, así que no te agobies por no tocar. Tienes que sentirte en paz contigo mismo y tu instrumento y seguro que cuando la cojas, lo harás de otra manera.

Relax
Quizá no es el mejor momento para ponerse serios; para muchos seguro que es el momento ideal para dar un empujón con una buena rutina intensiva de verano, pero si eres de los que no se llevan bien con las rutinas y encima te cuesta ponerse a tocar en vacaciones, probablemente no sea el mejor momento. Por ello te aconsejo si es tu caso que, cuando toques durante tus vacaciones, toques lo que te apetezca. No te encierres en la habitación a hacer ejercicios con el metrónomo, porque el primer día aguantarás, el segundo quizás, pero el tercero ya no te acercarás al instrumento y lo que es peor, tardarás bastante en volver a hacerlo, porque asimilarás tocar con encerrarte a trabajar y no es eso lo mejor para descansar en vacaciones. Improvisa sin más lo que te venga a la cabeza, hazte con un repertorio compuesto por temas que te molen o los clásicos sencillos de siempre, como Stand By Me o Knock Knock Knocking on the Heavens Door. Pasarás un buen rato y al no estar centrado en mantener una ejecución impecable, estando al 110% de tus capacidades, podrás hacer fluir mucho más rápidamente la música entre tú y tu instrumento. Al fin y al cabo se trata de seguir tocando y dedicarle tiempo a la música y ésta es sin duda una magnífica forma de hacerlo.

Cambia de aires
Como acabo de decir, esto se trata de no abandonar la música en verano y cualquier excusa es buena, ¿no te parece? Muévete y cuando lo hagas, llévatela contigo. Si sales por ahí, a un parque, la playa o incluso al campo, una guitarra acústica o incluso un pequeño teclado mejorarán el plan seguro. El verano es el mejor momento para hacerlo y así te mantendrás tocando. Además en esta ocasión encontramos un interesante aliciente, ya que al no tocar sentados en nuestra silla de siempre, estaremos forzados a cambiar ciertas posturas y hábitos que te harán mejorar en tu ejecución al volver.

Espero que ahora te sientas a tope y con ganas de darlo todo disfrutando de la música y tus vacaciones todo en uno, nos gustaría que compartieras tus experiencias del verano con nosotros comentando en este mismo artículo.

Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera

• Claude Goudimel (1510-1572) se dedicaba fundamentalmente a componer música para los oficios católicos y el mismo profesaba el catolicismo hasta que se convirtió al protentastismo y fue una de las victimas del masivo asesinato de protestantes de San Bartolomé.
• Robert White (1530-1574) murió victima de la peste
• Michael Wise (1648-1687) estaba tan enfurecido en cierta ocasión tras una acalorada discusión con su esposa que se precipito a la calle y atraco al primero que se cruzo en su camino, queriendo la fatalidad que éste fuera el guardia nocturno quien, provisto de una porra, no dudo en reducir al exaltado músico hasta matarlo.
• Jean-Baptiste Lully (1632-1687) era el máximo responsable musical en la corte del rey francés Luis XIV. Para rogar a Dios por la pronta recuperación del monarca que estaba enfermo compuso un Te Deum, que él mismo se encargo de dirigir. Lully dirigía, no con batuta como es habitual en nuestros días, sino golpeando contra el suelo un gran bastón, y se golpeo el pie en el curso de la interpretación del Te Deum. La herida gangreno tras provocarle una septicemia y el compositor murió al cabo de pocas semanas.
• Henry Purcell (1659-1695) murió, según cuenta la leyenda muy extendida a la cual no sabemos si dar creabilidad, a causa de un resfriado contraído una noche en la que se vio obligado a dormir fuera de casa, al aire libre. El hecho de que Purcell pasara la noche a la intemperie se debe a que llego borracho a casa y su esposa no le dejo pasar.
• Jean-Marie Leclair (1697-1764) murió en las escaleras de su casa parisina asesinado probablemente por un rival celoso de su éxito.
• Johann Shobert (1720-1767) murió junto a su familia al ingerir lo que ellos creyeron que eran champiñones. En realidad eran excremento de sapo.
• William Dodd (1729-1777), que además de compositor fue sacerdote, fue ajusticiado en la horca acusado de falsificador.
• Johann Friedrch Edelmann (1749-1794) murió guillotinado en Paris.
• Thomas Linley (1756-1778) murió ahogado cuando navegaba en barca.
• John Danby (1757-1798) fue en cierta ocasión a hospedarse en una pensión tan húmeda que sufrió una parálisis en los brazos que le produjeron la muerte.
• Ernest Chausson (1855-1899) murió al estrellarse con su bicicleta.
• Claude Delvincourt (1888-1954) sobrevivió a las heridas de la I guerra mundial y a las peligrosas actividades como resistente ante la ocupación nazi en la II, pero encontró la muerte en un accidente de automóvil, como su colega Pierre Octave Ferround (1900-1936)
• Esta lista podría ampliarse con los compositores que murieron aquejados de problemas mentales o incluso completamente locos.

Alder: aliso

Ash: fresno

Beech: haya

Birch: abedul

Cedar: cedro

Cherry tree: cerezo

Chestnut tree: castaño

Curly maple: arce rizado

Cypress: ciprés

Ebony: ébano

Elm: olmo

Fir: abeto

Hazel: avellano

Heath: brezo

Larch: alerce

Lime tree: tilo

Mahogany: caoba

Maple: arce

Nut tree: avellano

Oak: roble

Poplar: álamo

Plywood: madera laminada

Redwood: secoya

Rosewood: palorosa, palisandro

Spruce: abeto

Walnut: nogal

Da igual que las personas a las que nos exponemos sean amigos, familiares o gente que no nos conoce de nada. No podemos centrarnos en recibir un feedback positivo en nuestra actuación sólo por el hecho de subirnos a un escenario y ponernos a hacer lo que hemos ensayado encerrados en un local de ensayo con tanta ilusión y trabajo. Incluso si el público se compusiera sólo de músicos y gente del mundillo, que naturalmente saben lo mucho que cuesta llegar a este momento, no podemos tenerlas todas con nosotros y esperar que la actuación sea un éxito.

Debemos cumplir una serie de requisitos. Primero hagamos el ejercicio de observarnos desde fuera. Os propongo que analicemos nuestras propias sensaciones cuando ejercemos de público en un concierto. ¿Qué cosas hacen que lo pasemos bien, aplaudamos, nos emocionemos, nos divirtamos y gritemos un rotundo “¡otra, otra!” al final del concierto?

Debemos desarrollar una empatía con el grupo y sobre todo con el front-man o front-woman. En una palabra, tiene que “caernos bien” y a la vez, despertar nuestra admiración. Sea por su carisma, su talento, su buen rollo haciendo algo que claramente vemos que disfruta y por consiguiente nos hace disfrutar, por su interpretación cargada de sensaciones que se transmite hasta la última persona presente en la sala, ó la estética agradable y armoniosa de toda la banda. Los divos no caen bien, así como la gente que tiene un alto concepto de sí mismo pero no demuestra nada presentando una burda caricatura de su persona, pasando a ser un “personaje”.  Si queremos crear un personaje creíble, debemos mantenerlo de principio a fin, pero adoptemos ese rol o simplemente nos presentemos tal y como somos, la clave es la NATURALIDAD. Tener una imagen realista de uno mismo, ayuda mucho a potenciar los puntos fuertes y lidiar con naturalidad con las limitaciones. La tendencia siempre ha de ser mejorar, pero en el camino, podemos ir mostrando nuestro arte y eso no tiene nada de negativo. Gente que le encanta criticar siempre hay en todos sitios, pero no hay cosa más fácilmente criticable que alguien que va de guay y no lo es.

Y permitidme otro consejo: escuchad las críticas, tratad de aprender a ellas, pero pasad por la criba TODO lo que os digan. Habrá críticas constructivas y críticas envidiosas y gratuitas. Aprended de las primeras y olvidad las últimas. No merecen la pena.

Cómo conseguir superar los nervios y saltar con seguridad al escenario:

Los bloqueos son muy normales al principio de nuestra aventura musical. Hay bloqueos de muchos tipos: emocionales, preceptúales, culturales… Los bloqueos emocionales, normalmente son los más comunes. Surgen sin duda, de un pensamiento que nos lleva a sentir esa emoción en concreto. Algunos de los que nos pueden asaltar en estas circunstancias son: miedo a la exposición, a que nos juzguen, a que algo falle, falta de confianza en nuestra técnica, falta de confianza en algún compañero, o simplemente imprevistos en la sala, el técnico de sonido… Los momentos cruciales muchas veces suelen ser minutos antes de salir, al comenzar el concierto y durante, justo después de algún fallo.

Minutos antes de comenzar, suele funcionar muy bien calentar, estirar el cuerpo, relajarse con una conversación agradable o simplemente exteriorizando la emoción, pues al verbalizarla se comparte y se diluye. Realizar respiraciones en el caso del cantante, no sólo ayudará a entrar con buen tono diafragmático y todo en su sitio, sino que proveerá de una calma envidiable, fruto de las respiraciones casi terapéuticas del calentamiento.

Al comenzar el concierto, no tengas miedo. Sal con paso firme a escena, saluda a la gente, aprovecha ese primer momento de acercamiento para agradecer al público la asistencia, y anima a las personas a acercarse a ti y dejar que sientas su calor y su apoyo. En una palabra, hazte su amigo/a. Puedes ser agresivo pero cordial, si la música lo requiere, o simplemente despliega una sonrisa y muestra lo contento y agradecido que estás por poder contar con tantas personas que han venido a escucharte y a verte. Prométete que lo pasarás genial y ellos también lo harán. Respira hondo y comienza. Los nervios, pasarán.

No dejes al público solo durante el concierto. Aunque estés muy metido en el espectáculo, trata de no desconectar de lo que te rodea. Es todo un arte, pero con práctica, conseguirás tener los cinco sentidos en la música, en tu interpretación y también en toda la gente de la sala. Creedme, conseguir que toda la energía de grupo y público se conecte y mantener esa conexión es la auténtica clave del éxito.

Si en algún momento del bolo surge algún problema técnico, repito: no dejes solo al público. Si lo haces, se darán media vuelta y se pondrán a charlar con los colegas como si estuviéramos en los anuncios. Si es necesario, explica el problema, trata de entretenerlos y prepárate para los imprevistos. En ti recae la responsabilidad de ser el portavoz pero quizá alguno de tus compañeros pueda preparar contigo alguna pieza, solo o break por si acaso surge algún problema.

La clave es ESTAR PREPARADO para cualquier cosa. Y los nervios, serán menos nervios ante el “¿Qué podría pasar para que esto fuera un desastre?”

Los bloqueos nos limitan y desde luego son los peores enemigos que nos podemos crear. Una vez los superamos, seremos capaces de mejorar y de vivir plenamente los momentos mágicos de conexión con el público y mostrar todo nuestro arte y potencial.

Gema A. Vau

Éramos pocos y parió la abuela; como quien está harto del ruido y pone “Sálvame”. YouTube ha habilitado un icono en todos sus vídeos que hace que suenen incesantes vuvuzelas en estéreo, produciendo el (desagradable) efecto de “hallarse en un campo de fútbol del mundial”. Después de la controversia provocada por las trompetitas del mundial, especialmente a raíz de los problemas de comunicación entre los jugadores en los partidos, aún nos preguntamos el por qué de esta extraña decisión de YouTube; si bien es verdad que tiene algo de gracia, realmente no es nada útil ponerse un vídeo y no poder escuchar lo que intentas. ¿Qué os parece a vosotros?

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Esperanza Galera

1. Es, junto a un afinador y el propio instrumento, una de los 3 elementos más básicos y fundamentales del aprendiz de música
2. Gracias a él logramos aprender a manejar el tiempo y hay que recordar que la definición más sencilla de música habla de “Melodía, ritmo y armonía, combinados”
3. Sea cuál sea la dificultad, tocar muy rápido muchas notas de forma fluida o distribuir correctamente las notas en tiempos largos, el metrónomo es ese director de orquesta que te indicará sin error dónde está cada cosa
4. Nos ayuda a desarrollar el importantísimo “metrónomo interno”, sin el cuál no se puede ser buen músico
5. Es vital para lograr una buena técnica, ayudándote a tener un fraseo fluido y limpio
6. Con él trabajamos la velocidad de forma correcta, aumentando el tiempo sólo cuando ya dominamos la ejecución en el actual
7. Junto a unos simples ejercicios podemos desarrollar un impresionante control rítmico. Prueba a tocar todos los ejercicios en tiempos “débiles” (en el 2 o 4 de un 4/4) o comenzarlo todo a contratiempo
8. No se puede grabar sin él; si no lo usas para grabar todos los instrumentos, las posibilidades de que todo suene en su sitio son prácticamente inexistentes
9. El metrónomo no es sólo cosa de baterías; él ha de tener buen concepto del ritmo para marcarlo, pero tú igualmente has de tenerlo para seguirlo
10. Es un error muy común pensar que el metrónomo, el control de un tiempo estable, va en contra de la libre expresividad de los sentimientos. No os confundáis: dominar el tiempo no es óbice de la expresión, sino una herramienta BÁSICA de ésta. Acelerarlo o ralentizarlo denota distintos matices emocionales que no podrás dominar si no controlas el tiempo medianamente bien

Esperanza Galera