Rocking in the Free Blog apuesta por Megara, esperamos con ganas sus próximos movimientos.

Esperanza Galera

Gabriel, que no se conforma con músicos mediocres, llevó su cuarteto original de estudio, a excepción de una baja al piano que solventó con un sorprendente polifacético Walter Lusarreta, maestro tanto a la guitarra, como al saxo, éste último muy acertado a la hora de sustituír la melodía en “Milonga de Otros Vientos”. Sorprendentes los arreglos que se efectuaron para sustituir un instrumento tan completo y complejo como lo es el piano, con otra guitarra acústica. A la batería, José San Martín dio una valiosa lección sobre cómo tocar la batería con corrección y complejidad (sorprendente hasta para Gabriel al final de “Hablemos tranquilos” :p) usando en todo momento brushes o escobillas, las “baquetas del jazz”. Me llamó especialmente la atención que no tuviera bombo, sino un pedal debajo del tom base, siendo su kit formado sólo una caja, un charles, dos platos, un pequeño splash y el tom mencionado. Al bajo, Jorge Cerrato, compatriota de Gabriel, no paró uno solo instante de hacer líneas y líneas de jazz. Músico divertido y gran bajista.

El concierto comenzó con un par de temas del primer disco de Gabriel y continuó metiéndonos de lleno en Cosas Sin Decir. Durante la duración del concierto se mantuvo una sensación de “familiaridad” y en todo momento se sintió a los músicos como conocidos cercanos. Sonaron en Arte Bar toques argentinos con “Milonga de Otros Vientos”, bellezas como “Noche y Octubre” y “Despertar”, jazz contemporáneo bajo “Hablemos Tranquilos” (cuyo riff principal no se me quita de la cabeza) y el broche de cierre (a.k.a, bis jaja) al más puro estilo latino con “Andar al Sol”, con el que el cuarteto acabó de conquistar al público. En general, Cosas Sin Decir nos transmite una composición trabajada con mucho mimo, cariño y pasión, con calidad en todos sus temas mezclando jazz, fussion y algo de folclore latinoamericano, sobresaliendo el argentino. En un estilo tan “difícil de tragar” para las masas como lo es el jazz, Gabriel ha conseguido crear unos temas cálidos y agradables, fácilmente apreciables para oídos inexpertos, además de los amantes del jazz de siempre. No pasan desapercibidas las horas que se han debido invertir para concluir con un disco de esta calidad musical.

Desde el mismísimo Buenos Aires hasta la capital española, la trayectoria del músico argentino no es precisamente insustancial. Ha participado en múltiples agrupaciones en diversos estilos, predominando el jazz y dado y recibido clases por ambos continentes durante largo tiempo. Actualmente se encuentra presentando su nuevo disco por España (después de su rápido paso por Argentina este mes pasado) y dando clases en la prestigiosa Escuela de Música Creativa.

Desde Rocking in the Free Blog permaneceremos pendientes a próximas fechas y composiciones del artista argentino.

Rocking in the Free Blog,
Esperanza Galera

Contacta y escucha más de Gabriel Szternzstejn en:
Myspace
Last.fm
Web oficial

Por fin ya tenemos la esperada review de nuestros apadrinados del mes. Antes de nada quiero pedir perdón, sobre todo a la banda, por este retraso, pero por complicaciones de ultima hora he estado off. Desde León con su <<metal bastardo>>, este mes, Quarantine son nuestro apadrinados del mes. Y es que esta banda, aunque relativamente joven (se formó en verano del 2008), no va a pasar desapercibida.

Su presentación no es más que una maqueta autoproducida, con 4 temas que pese no gozar de una buena calidad acústica, hay que destacar que suenan directos, contundentes y que tienen claro que van a luchar por seguir hacia adelante. Con claros ritmos influenciados por el grindcore y el trash metal, Quarantine, en cuanto al tempo y contundencia de los temas nos dejan ver que siguen los pasos de Machine Head. Pasan continuamente de tiempos rápidos a más lentos, guitarras pesadas… esto es a grandes rasgos lo que nos podemos encontrar de cara a esta banda.

Introduciéndonos más en el corazón de la música de estos leoneses, en estos 4 temas de presentación que nos ofrecen, nos encontramos con un primer tema “40 days”, con claras influencias de Sepultura, es un tema en inglés en el que destaco unos cambios de ritmo bien ejecutados y el acertado juego de voces por un lado destacan partes más melódicas y por otro aplastantes voces guturales. Seguidamente nos encontramos con “Creerse ser”, tema en castellano, que aunque no suena nada mal, y se podría ver cierta influencia de grupos como Hamlet, un estilo de música como el que hacen les pega mejor la lengua inglesa. “Violent Invasion”, de nuevo otro tema en inglés, con riff más clásico y un ligero toque de Death metal, destaca con un sonido americanizado y sin olvidar las base de trash que fluye claramente en los 4 temas. Y por último, nos encontramos con “Último paso” donde probablemente sea el tema en el que más flojea el sonido, pero que nos hace olvidarnos de ello debido al gran acierto en su composición que hace que sea un tema bastante pegadizo.

Así que en resumidas cuentas esta formación leonesa merece la pena, y tanto… No dudéis ni un momento en descargaros su maqueta, visitar su MySpace, donde además de poder escuchar su demo también podréis escuchar una versión de Pantera que han grabado en con motivo del quinto aniversario de la muerte de Dimebag Darrell, y por supuesto conocer todas las fechas que tienen programadas para llevaros al escenario lo mejor de ellos mismos.

Desde aquí os deseamos todo lo mejor en vuestra lucha por el metal!!!

Laura López

We move in circles; this story ends where it began. Para algunos, gran obra maestra del metal progresivo; para otros, el inicio o la confirmación del declive. Por qué, pese a estar acostumbrados a que nada guste o disguste a todos, las opiniones sobre el octavo disco de Dream Theater son tan dispares, quizá se deba al gran giro que supuso en la progresión de la banda. Ya se venían avisando cambios desde dos discos atrás. Con ‘Six Degrees’ se pasó de experimentar como en los anteriores discos a que el experimento fuera el disco y ‘Train of Thought’, el disco más oscuro y metalero de la banda, abrió la brecha entre los fans, que se agrandó y separó de forma irreversible con éste del que escribe una servidora hoy: ‘Octavarium’.

Producido por John Petrucci y Mike Portnoy, a lo largo de sus 75 minutos de duración son tratados una amplia variedad de estilos, siempre bajo el propio concepto musical de la banda y un notable resurgimiento de los teclados, que da pie al nuevo estilo inducido en la banda por Jordan Rudess. Por segunda vez en la discografía de la banda nos encontramos con un disco sin ningún tema instrumental, aunque algunos solos y partes sin letra son tan largos que se podrían sacar temas “contundentes” sin ningún problema. Muchos han coincidido al afirmar que este octavo disco junta en sus ocho canciones pequeños homenajes a todas las etapas pasadas por la banda con anterioridad en todos sus discos predecesores. No obstante, esto es algo muy subjetivo, ya que, aunque es innegable la variedad de estilos tratados, no a todos les evoca ese pasado, según algunos, drásticamente olvidado de ‘Images and Words’ o ‘Awake’, por ejemplo. Con todo, hay una excepción confirmable cuya intención no es sólo recordar temas de discos anteriores, sino además, continuar su temática: “The Root of All Evil”, la potentísima y gran apertura del disco. Se trata de la tercera parte de la saga de alcohólicos anónimos que Mike Portnoy describe en 5 temas a lo largo de su discografía. Éste es el tercero y en él nos podemos encontrar riffs inspirados o directamente idénticos a sus predecesores: “The Glass Prison” y “This Dying Soul”. Esto ha llevado a pensar, tanto a fans como a detractores, que Dream Theater “se repite” o “se ha quedado sin ideas”, dando por supuesto que esos riffs tan parecidos a los escuchados con anterioridad son copias accidentadas. Respecto a este caso en concreto, se equivocan, ya que se trata de algo intencionado cuya finalidad es “hablar” de las etapas anteriores de una forma musical. Esto se confirma al apreciar la letra, al igual que pasa con el último tema de la saga, en ‘Black Clouds and Silver Linings’, “The Shattered Fortress”. Pero eso es otro tema aparte.

Más allá de ello nos encontramos junto a “The Root of All Evil” con otros 7 temas muy distintos entre ellos. La potencia del metal de “Panic Attack”, las bellas melodías de “The Answer Lies Within”, las líneas oscuras de Sacrificed Sons, la simplicidad para muchos inspirada en U2 de “I Walk Beside You”, el resurgimiento de los teclados y la voz en “Never Enough” al más puro estilo Muse…Se podría decir que ‘Octavarium’ es un disco de contrastes; contrastes que se unen en perfecta armonía y nitidez en el octavo tema, que da nombre al disco. “Octavarium” se trata de uno de los mejores temas de la historia del género en su forma más actual. Dividido en 5 partes más una introducción instrumental, es un tema con gusto, elegancia y pasión, con bellas melodías, riffs aplastantes del metal más duro, y letras que rompen el corazón y transmiten odios, arrepentimiento, amor, desgracia o euforia. Y todo ello agitado y mezclado con el gran despliegue de todos los medios al alcance de una de las bandas más rentables de la actualidad. Su desarrollo no podría ser más impecable y acertado y su grandeza reside no sólo en la música, sino en su simbolismo y significado. Muchas teorías ha generado a su alrededor, algunas de lo más, digamos, “entusiastas”. Algunos afirman que se trata de un homenaje a la música de los años 70 o, aún más utópico, un repaso a la progresión de la banda Pink Floyd. Una vez más es el desconocimiento el causante del error, ya que atendiendo a la forma y letras del disco se descubre “el pastel”. “Octavarium” repasa uno a uno todos y cada uno de los temas del propio disco, haciendo alusión con melodías y versos. Esto forma parte de la filosofía sobre la que se forma el disco en todos sus conceptos simbólicos, la cual cito sacada de uno de los versos nada más empezar el artículo: “nos movemos en círculos, esta historia acaba donde empieza”. “Octavarium” se trata del clímax máximo de esa premisa y es así como se comprende. Se podría decir que el disco entero trata la estructura de exposición A-B-A: Explica lo que vas a decir, dilo y luego explica lo que has dicho. Así lo hace con los primeros 7 temas, lo dice en las tres primeras partes de “Octavarium” y luego lo explica en la cuarta y quinta parte. Esto último lo podréis oír en el minuto 18:35: Portnoy dice “Root” y LaBrie resume “The Root of All Evil” mientras esa canción suena intacta de fondo; Portnoy dice entonces “Second” y LaBrie procede de la misma manera con “The Answer Lies Within”, mientras la grabación de ésta se escucha. Así ocurre con los 8 temas y todo esto lo podréis oír casi a la perfección con unos casos y digo casi porque, para no saturar con dos canciones sonando a la vez, las citas de los temas están a un volumen bastante bajo, aunque en absoluto inaudible.
Y es con una dulce y preciosa melodía de flauta, elevándose tras la tormenta, como acaba “Octavarium”; tanto el tema, como el disco.

Pero si por algo se conoce a Petrucci, Portnoy, Rudess, LaBrie y Myung es que nunca tienen suficiente con lo que hacen y las innovaciones no se limitaron al ámbito musical. Nació el estilo único “extramusical” tan propio de la banda y que a tantos enamora, aunque algunos tintes dejó antes en sus otros trabajos.
Como mencioné poco antes, los cambios comienzan desde dos discos atrás y es en ‘Six Degrees Of Inner Turbulence’ donde se empezó a trabajar la idea “todo se mueve en círculos”. La primera muestra de esa filosofía se da nada más poner el disco, cuando podemos oír el ruido blanco con el que termina el último tema de ‘Scenes from a Memory’, lo cual también ocurre con el sintetizador del final del ‘Six Degrees’, que produce el mismo acorde que al principio de “As I Am”, primer tema del ‘Train of Thought’. En el caso de ‘Octavarium’, es la última nota de “In the Name of God” la que suena nada más poner el disco, al empezar con “The Root of All Evil”.
Hay decenas de detalles al respecto, en las canciones, en los títulos y en las propias carátulas y no quisiera aburriros con detalles extramusicales que sólo interesarán a los fans más asiduos de la banda; a éstos les recomiendo buscarlas en Internet.

¡Y después de leer esta review sólo os queda disfrutarlo!

Rocking in the Free World,
Esperanza Galera

Muchos son los grupos y músicos consagrados que día a día seguimos, informándonos de sus novedades, haciendo concienzudas críticas de sus trabajos, etc. porque son de interés para mucha gente. Pero no podemos olvidar que hay una legión de bandas incipientes que también merecen su hueco en los medios, y trabajan duro a diario para ampliar su espectro de influencia.

En Rocking in The Free World abogamos por el apoyo y promoción de bandas que están comenzando a rodar, pero ya ofrecen algo digno y de calidad, y siempre mostraremos interés por aquellas propuestas actuales que, en nuestra opinión, merezcan la pena.

Este es el caso de Evohé. Está banda nos ha llamado la atención por varios motivos. Para empezar, la propuesta musical que nos traen es algo original, y (acostumbrados a la saturación estilística que hay en el rock y derivados hoy en día) eso es de agradecer.

Tienen un sonido directo, pero con una composición más densa y trabajada de lo que a priori pudiera parecer. Melodías elaboradas y dramáticas, aderezadas con unos estribillos con pegada. Una de las influencias que me vienen a la cabeza al escucharles, podrían ser los mencionados recientemente en este blog, Muse. No son un calco ni mucho menos, pero en mi opinión beben de ellos en aspectos como el tratamiento saturado de las líneas de bajo.
Otro punto fuerte de la banda son las letras (muy cuidadas), que invitan a la reflexión. Una prueba de la importancia que le dan a este aspecto, es que tienen a un letrista como miembro más de la banda…no muchos grupos tienen a alguien dedicado al completo a la elaboración de textos.
Todos estos pilares, enmarcados en una presentación estética (fotos, video, web, myspace…) muy cuidada y profesional, hacen que el producto audiovisual que ofrece Evohé posea una teatralidad que llama la atención.

Dicho esto, sólo os queda escucharlos.
Encontrareis temas en su myspace ( www.myspace.com/evoheacute ) e información adicional en su web ( http://www.evoheweb.com/ ). También podeis ver su primer video clip, perteneciente al tema “Las Once Eses del Camino” aquí:

http://www.youtube.com/watch?v=mA84f_NC8Do

Si os gustan, manteneos al tanto en nuestro blog porque es posible que en el futuro les dediquemos algo más de espacio con información interesante.

Un saludo!

Juan Fernández.

Se trata de un disco muy dinámico con distintos toques a cada tema. Desde ese metal oscuro del principio de Espíritu Santo a los lindos acordes de su final, o de Deleite o Nana, tema en el que colabora Miguel García, quién ya pasó por nuestro blog hace unos meses. El disco entero da un respiro de energía y amor por lo que se hace; optimismo y festividad aunque también respiramos ambientes contrarios como en Decepción, un tema con unos muy buenos arreglos. En arreglos también destacan la Introducción y Nana. A parte, mencionar también la colaboración de Paco Hernández en 300, un tema con fuerza y pegada al más puro estilo metalero.

En definitiva, la tónica: las melodías son trabajadas, inspiradoras, al igual que los solos en los cuáles nos encontramos con alardes técnicos de calidad y bien escogidos, como es el caso de mi tema preferido del disco: Desconcierto, un tema de un increíble alarde técnico a velocidades de vértigo que gustará tanto a los shreders como a los amantes de la técnica y la limpieza.

Sin duda Ángel consigue con este disco lo que se había propuesto: temas apabulladores en una producción con limitaciones. Desde Rocking in the Free World, El Bien y el Mal de Ángel Ruíz queda áltamente recomendado.

Para finalizar, tuvimos la suerte de que Ángel nos concediera unas palabras en exclusiva para Rocking in the Free World. Con ellas nos despedimos:

Hola Ángel. Lo primero gracias por atendernos y enhorabuena por el nuevo salto que das en tu carrera con este disco.
Gracias a vosotros por permitirme compartir un espacio en vuestro blog.
Cuéntanos, ¿por qué decidiste hacer tu primer CD?
La verdad, pensé que después de haber estado muchos años estudiando, averiguando, sacando conclusiones al respecto de mi manera de interpretar la guitarra… dije “¡Genial!, éste es el momento idóneo para sacar lo que durante mucho tiempo he estudiado y he trabajado”.
¿Cuál fue el proceso de grabación?
Algo básico, tampoco tengo presupuesto para financiarme un buen estudio. Mi Pc y mis habituales programas de edición, pero yo siempre digo lo mismo. En la música, como en cualquier arte, lo que se busca crear es fuego… que más da si para ello usaste un mechero o unas piedras… a la larga prefiero una producción casera, pero que los temas apabullen, a que tenga un super producción, pero los temas no digan nada.
¿Qué equipo y medios utilizaste para la grabación y mezcla?
Mi Pod 2.0 y mi Yamaha AES. Como te decía, me conecto a través de mi mesa en la tarjeta de mi pc, y empiezo a capturar el audio a través del Cool Edit.
¿Cómo podremos adquirirlo?
Lo he puesto como descarga gratuíta en rapidshare. Aquí os dejo el enlace:

http://rapidshare.com/files/220239782/_ngel_Ruiz-El_bien_y_el_mal.rar

¿Qué esperas conseguir con este nuevo CD?
Lo que siempre he querido hacer con mi música y de hecho, es una de las razones principales por la que decidí dedicarme a la música instrumental, es que los temas hagan reflexionar al oyente sobre el mundo en el que viven y que concretamente reflexionen sobre la vida que están viviendo todos los días… y ahí es donde entra la música.
Cuando ves una película y te adentras en una escena de miedo, realmente no son las imágenes, es la música la que te agita, e igualmente si ves una escena triste, lo que te hace llorar tampoco es la imagen, sino la música… Con mi música trato de asentar lo puro y auténtico que es para mí vivir según los principios éticos y morales que Jesucristo asienta en los evangelios y en contraposición… que el oyente piense si es feliz haciéndole caso a sus instintos, o debería alguien dar dirección y orientar para no llegar a irrumpir en el desorden.
Tampoco me interesa que la gente me conozca por haber hecho este cover, o por ser técnico… a la larga sinceramente creo que eso no sirve para nada, porqué todo el mundo lo hace.
Con los recursos técnicos que la guitarra ofrece, solo pretendo transmitir ese mensaje que llevo arraigado dentro de mí y que considero que hacen del ser humano una mejor persona.
Te deseamos muchísima suerte.
Muchísmas gracias de nuevo.

Esto es todo, esperamos que el disco os guste tanto como a nosotros.

Rocking in the Free World,
Esperanza Galera

Mike Portnoy a la batería, Randy George al bajo y contando con la colaboración de Paul Gilbert en las guitarras. Él es… ¡Neal Morse! Que canta, hace guitarras y teclados, quién sino para reunir a semejante ejército de virtuosos. Lifeline, su último disco, se trata de un disco de Rock Progresivo de 7 temas de una duración total aproximada de 70 minutos. Uno de ellos, So Many Roads, se divide durante sus casi 30 minutos en 6 fragmentos. La apertura, Lifeline, fue tocada en varios conciertos antes de la salida del disco el 1 de octubre del 2008.

Lifeline (13:28)
The Way Home (4:20
Leviathan (6:04)
God’s Love (5:28)
Children of the Chosen (4:55)
So Many Roads (28:43)
I. So Many Roads
II. Star for a Day
III. The Humdrum Life
IV. All the Way to the Grave
V. The Eyes of the Saviour
VI. So Many Roads Reprise
Fly High (6:31)

A mí personalmente es un disco que me gusta mucho. Acostumbrada a la fuerza del Metal Progresivo del estilo de Dream Theater, me resulta muy agradable escuchar la misma calidad y los mismos toques progresivos con “algo más de calma”. Es un disco que recomiendo a los seguidores del Progresivo tanto como a los iniciados en el estilo musical, aunque también creo que es una oportunidad genial para aquellos que soportan poco “las ralladas” jazzero-fusioneras del Progresivo en todo su explendor, ya que Neal no abusa de ellas.
Podréis encontrarlo por 11’99€ en iTunes, una compra que recomiendo.
Rocking in the Free World,
Esperanza Galera.

Un saludo y hasta la próxima entrega!

Si hay una cualidad reseñable de este compositor, es sin duda su versatilidad: ha sabido moverse (a veces con más fortuna y otras con menos) entre una amplia amalgama de estilos. Desde su exitoso “Tubullar Bells”, hasta grandes singles comerciales como “Moonlight Shadow”, pasando por inumerables coqueteos con la música folk, la llamada “new age” o la electrónica.

Tras esta trayectoria, es en el pasado año 2008 cuando decide hacer su primer disco para orquesta, de corte íntegramente clásico y sinfónico: “Music of the Spheres”.

La temática del disco gira al rededor de la teoría pitagórica que relaciona los movimientos de los planetas con la armonía musical, dotando al universo de su propia “sinfonía”, de la cual todo forma parte. Interesante cuanto menos.

Quiero advertir de que es un disco puramente Oldfield. Encontraremos multitud de reminiscencias melódicas a obras anteriores del autor, que se reafirma en ello definiéndose como “el hombre de la eterna secuencia de piano”, haciendo referencia al archiconocido dibujo melódico que iniciaba “Tubullar Bells” y que fue usado también en la BSO de “El Exorcista”, el cual también tiene similitud con pasajes de este disco. Sin embargo, cuando las cosas se hacen con calidad y gusto esto no es un problema, todo lo contrario.

Nos encontramos ante un disco que, en mi opinión, es simplemente una maravilla. Es uno de los lanzamientos discográficos con los que más disfruté en el pasado 2008, y que se ha convertido ya en uno de mis álbumes predilectos e imprescindibles.

El primer corte del disco es “Harbinger” y con él nos hacemos idea de los derroteros por los que transcurrirán los minutos que tenemos por delante. Comienza con una marcada melodía de violines, a la que se van sumando sutilmente elementos como el arpa o el piano hasta desembocar en una intensa atmósfera marca de la casa.
El disco sigue una tónica regular, pero con pasajes muy diferentes, armonías preciosas, elegantes corales, momentos de apoteosis, tintes cinematográficos, cuidadas melodías…en definitiva: paisajes sonoros.

Destacan las colaboraciones de la jóven cantante Hayley Wastenra (sobresaliente en “On my Heart”), y del pianista Lang Lang.

No es un disco especialmente largo, y por su caracter “colorido” me parece que puede gustar tanto a gente acostumbrada a escuchar música puramente instrumental, como a oidos menos experimentados en este género.

Recomiendo su escucha a un volumen generoso y, a ser posible, con unos buenos cascos, porque al ser una orquesta 100% real prácticamente se oye “respirar” a cada intrumento e intérprete, lo cual es un auténtico gustazo.

Este es el Track List completo del disco:

01-Harbinger.
02-Animus.
03-Silhouette.
04-Shabda.
05-The Tempest.
06-Harbinger Reprise.
07-On My Heart.
08-Aurora.
09-Prophecy.
10-On My Heart Reprise.
11-Harmonia Mundi.
12-The Other Side.
13-Empyrean.
14-Musica Universalis.

Espero que disfrutéis con este gran disco.

Un saludo y hasta la próxima!

Juan Fernández

Desde abril del año pasado el mundo cuenta con una joya musical de las que ya no quedan. Good to be Bad se ha convertido en una mezcla de lo mejor de los años 80 con el Rock actual; buenos ritmos, canciones pegadizas, baladas con letras que llegan al alma y una buena voz con toda la fuerza del Rock. Los 11 temazos son los siguientes:

• Best Years
• Can You Heard the Wind Blow
• Call On Me
• All I Want All I Need
• Good to Be Bad
• All for Love
• Summer Rain
• Lay Down Your Love
• A Fool In Love
• Got What You Need
• ‘Till the End of Time

Pese a estrenar batería, (Chris Fracier, batería de Vai entre otros) Coverdale comenta que quizá se trate del último trabajo del grupo: “Si este es el último disco de Whitesnake, estoy feliz de terminar de esta manera. Hacerlo fue todo un trabajo lleno de amor y diversión”
Le doy un 5/5 y os lo recomiendo, ¡seguro que no os arrepentís de echarle una escucha! Y si tenéis la posibilidad, compradlo original anda.

Rocking in the Free World,
Esperanza Galera

Como ya se ha dicho este fin de año está siendo cuna de los últimos trabajos de algunos de los más relevantes músicos del panorama actual y como no podía ser menos desde el 14 de septiembre se encuentra disponible Steel Symphony (click para descargar), el último trabajo del talentoso guitarrista español Víctor de Andrés. Los 8 temas que componen el disco son los siguientes:

1. Vento del mare
2. Overture March
3. 1st Movement: Terrifying Scream
4. 2nd Movement: The Barbarian Song
5. 3rd Movement: Darkness
6. 4th Movement, Finale: The Hill’s calling
7. Mi pequeña Esperanza
8. X-Plosion

¡¡Escúchalo!!

Metal, Rock, Progresivo, Folk y aires de bandas sonoras que llevan tu mente a tierras donde el mundo entero se mata por una pieza de bisutería es lo que entraña este nuevo trabajo del joven guitarrista berciano. Influenciado por Dream Theater, Symphony X, Blind Guardian y Hans Zimmer el disco tiene toques comerciales preparados para gustar a un amplio grupo de oyentes.
Conocio por la fuerza de su interpretación y su excelente ejecución Víctor de Andrés descansa después de haber sacado su tercer disco después de In Flames (2005) y The Forest Of Illusions (2007). Si os sabe a poco podéis acceder a su canal de YouTube (click para acceder) y aprender con sus vídeo lecciones o encontrar su archiconocido vídeo de Piratas del Caribe Rock Version.
Rocking in the Free World,
Esperanza Galera