Da igual que las personas a las que nos exponemos sean amigos, familiares o gente que no nos conoce de nada. No podemos centrarnos en recibir un feedback positivo en nuestra actuación sólo por el hecho de subirnos a un escenario y ponernos a hacer lo que hemos ensayado encerrados en un local de ensayo con tanta ilusión y trabajo. Incluso si el público se compusiera sólo de músicos y gente del mundillo, que naturalmente saben lo mucho que cuesta llegar a este momento, no podemos tenerlas todas con nosotros y esperar que la actuación sea un éxito.

Debemos cumplir una serie de requisitos. Primero hagamos el ejercicio de observarnos desde fuera. Os propongo que analicemos nuestras propias sensaciones cuando ejercemos de público en un concierto. ¿Qué cosas hacen que lo pasemos bien, aplaudamos, nos emocionemos, nos divirtamos y gritemos un rotundo “¡otra, otra!” al final del concierto?

Debemos desarrollar una empatía con el grupo y sobre todo con el front-man o front-woman. En una palabra, tiene que “caernos bien” y a la vez, despertar nuestra admiración. Sea por su carisma, su talento, su buen rollo haciendo algo que claramente vemos que disfruta y por consiguiente nos hace disfrutar, por su interpretación cargada de sensaciones que se transmite hasta la última persona presente en la sala, ó la estética agradable y armoniosa de toda la banda. Los divos no caen bien, así como la gente que tiene un alto concepto de sí mismo pero no demuestra nada presentando una burda caricatura de su persona, pasando a ser un “personaje”.  Si queremos crear un personaje creíble, debemos mantenerlo de principio a fin, pero adoptemos ese rol o simplemente nos presentemos tal y como somos, la clave es la NATURALIDAD. Tener una imagen realista de uno mismo, ayuda mucho a potenciar los puntos fuertes y lidiar con naturalidad con las limitaciones. La tendencia siempre ha de ser mejorar, pero en el camino, podemos ir mostrando nuestro arte y eso no tiene nada de negativo. Gente que le encanta criticar siempre hay en todos sitios, pero no hay cosa más fácilmente criticable que alguien que va de guay y no lo es.

Y permitidme otro consejo: escuchad las críticas, tratad de aprender a ellas, pero pasad por la criba TODO lo que os digan. Habrá críticas constructivas y críticas envidiosas y gratuitas. Aprended de las primeras y olvidad las últimas. No merecen la pena.

Cómo conseguir superar los nervios y saltar con seguridad al escenario:

Los bloqueos son muy normales al principio de nuestra aventura musical. Hay bloqueos de muchos tipos: emocionales, preceptúales, culturales… Los bloqueos emocionales, normalmente son los más comunes. Surgen sin duda, de un pensamiento que nos lleva a sentir esa emoción en concreto. Algunos de los que nos pueden asaltar en estas circunstancias son: miedo a la exposición, a que nos juzguen, a que algo falle, falta de confianza en nuestra técnica, falta de confianza en algún compañero, o simplemente imprevistos en la sala, el técnico de sonido… Los momentos cruciales muchas veces suelen ser minutos antes de salir, al comenzar el concierto y durante, justo después de algún fallo.

Minutos antes de comenzar, suele funcionar muy bien calentar, estirar el cuerpo, relajarse con una conversación agradable o simplemente exteriorizando la emoción, pues al verbalizarla se comparte y se diluye. Realizar respiraciones en el caso del cantante, no sólo ayudará a entrar con buen tono diafragmático y todo en su sitio, sino que proveerá de una calma envidiable, fruto de las respiraciones casi terapéuticas del calentamiento.

Al comenzar el concierto, no tengas miedo. Sal con paso firme a escena, saluda a la gente, aprovecha ese primer momento de acercamiento para agradecer al público la asistencia, y anima a las personas a acercarse a ti y dejar que sientas su calor y su apoyo. En una palabra, hazte su amigo/a. Puedes ser agresivo pero cordial, si la música lo requiere, o simplemente despliega una sonrisa y muestra lo contento y agradecido que estás por poder contar con tantas personas que han venido a escucharte y a verte. Prométete que lo pasarás genial y ellos también lo harán. Respira hondo y comienza. Los nervios, pasarán.

No dejes al público solo durante el concierto. Aunque estés muy metido en el espectáculo, trata de no desconectar de lo que te rodea. Es todo un arte, pero con práctica, conseguirás tener los cinco sentidos en la música, en tu interpretación y también en toda la gente de la sala. Creedme, conseguir que toda la energía de grupo y público se conecte y mantener esa conexión es la auténtica clave del éxito.

Si en algún momento del bolo surge algún problema técnico, repito: no dejes solo al público. Si lo haces, se darán media vuelta y se pondrán a charlar con los colegas como si estuviéramos en los anuncios. Si es necesario, explica el problema, trata de entretenerlos y prepárate para los imprevistos. En ti recae la responsabilidad de ser el portavoz pero quizá alguno de tus compañeros pueda preparar contigo alguna pieza, solo o break por si acaso surge algún problema.

La clave es ESTAR PREPARADO para cualquier cosa. Y los nervios, serán menos nervios ante el “¿Qué podría pasar para que esto fuera un desastre?”

Los bloqueos nos limitan y desde luego son los peores enemigos que nos podemos crear. Una vez los superamos, seremos capaces de mejorar y de vivir plenamente los momentos mágicos de conexión con el público y mostrar todo nuestro arte y potencial.

Gema A. Vau

El término “producción” en el ámbito musical siempre ha estado rodeado de un oscurantismo y misterio que, a menudo, ha llevado (y sigue llevando) a equívoco. Una de las razones es que la palabra usada en diferentes contextos (sobretodo dentro de las múltiples variantes en el mundo del arte) conlleva diversos significados y matices. Por ejemplo, en el cine o la televisión, la producción se asocia con la logística en general, como la intendencia (catering, localización…), los recursos (transporte, vestuario, decorado…) y también, siendo ésta la ejecutiva, tiene que ver sobretodo con la parte financiera (casi siempre).
En la industria musical, la producción es algo completamente distinto. Suele recaer en una única persona que, en términos generales, debe conseguir que un proyecto “X” llegue a buen puerto; eso significa, entre otras muchas cosas, cuidar desde el sonido global del disco hasta el más ínfimo detalle en el artwork, pasando por ajustes necesarios en las letras. El productor es el responsable final del proyecto. Si el disco suena, poca gente se acuerda de él, pero si no, es al primero al que le cortan la cabeza.

¿Por qué es necesaria la figura del Productor?

La perspectiva que tiene alguien “de fuera” no sólo es saludable, además es vital. Vamos a imaginar una banda de rock a punto de grabar un disco. En la mayoría de las casos, los temas se han compuesto, arreglado y tocado de una manera endogámica antes del planteamiento del proyecto. Un buen productor dará forma, gracias a su perspectiva y conocimientos musicales y de la industria, a todas esas canciones en beneficio del previo acuerdo común entre la banda, la discográfica, el management y el mismo productor. El consenso es una parte fundamental, sino la más, a la hora de producir; ya sea con una banda, cantante, creativos varios de publicidad o supervisores musicales en una banda sonora para el cine, TV o teatro.

¿Cuales son las tareas específicas que tiene que hacer un Productor?

Aunque en próximos artículos veremos estos puntos a fondo, vamos a echar un vistazo rápido.

Planificación
Esto comprende diseñar el timing de ensayos, grabación, postproducción, edición, mezcla y mastering, así como la contratación (siempre desde el consenso) de los espacios, maquinaria y profesionales necesarios; generalmente grabar un disco es caro y lo que más cuesta es el tiempo que se usan esos espacios, máquinas y profesionales. Lo mejor es tenerlo todo planificado para ajustarse al máximo al presupuesto que se acuerde del proyecto.

Ensayo o preproducción
Aquí es donde se tiene una visión global de cómo ha de ir la cosa en términos puramente musicales. Se miran todas las canciones, todas sus partes, intros, outros, instrumentación, tesituras, arreglos…

Grabación
Una vez dilucidado el sonido general, el productor decide qué plataformas de grabación usar, qué micros seran los necesarios, amplis, baterías, percusiones, etc… Es importante saber y conocer qué músicos van a grabar, porque acaba siendo más importante cómo son que cómo tocan. Me explico: Cada músico tiene una forma de tocar muy específica y singular; eso es lo que hace grande a la música y eso es lo que hay que intentar no perder de vista. Lo que hace a un músico único es su manera de tocar; eso es lo último que se debe cambiar, aunque pueda llegar a suponer ajustes en el planteamiento inicial. Cada estilo de música tiene sus “trucos” para que suene y tan importante es conocerlos como saber llevarlos a cabo.

Postproducción
A menudo es necesario añadir diversos elementos a una grabación para acabar de conformar el sonido global y conceptual, como por ejemplo un ritmo electrónico extra en alguna parte, una voz en off o un sampler.

Edición
En la mayoría de grabaciones hay pasajes, partes o instrumentos que no quedan del todo ajustados a la canción. Eso se debe a que, afortunadamente, la música la seguimos haciendo las personas y no las máquinas. Esto no quiere decir que todo necesite ser milimétricamente ajustado; al revés: una edición inteligente donde podamos conjugar una interpretación humana con la precisión que nos brindan las máquinas nos dará como resultado una buena producción. Esta parte no la suele hacer el productor, sino que, siguiendo sus directrices y bajo su supervisión, un ayudante realiza el “trabajo sucio”.

Mezcla
La hora de la verdad. Todas y cada una de las pistas que se han grabado pasan a ser una (estéreo). La pericia que se tenga a la hora de comprimir señales, panoramizar, dar profundidad, uso (o abuso) de efectos, volumen o planos sonoros determinará el éxito final de la producción.

Mastering
Hecha la mezcla es hora de darle el toque final al disco. Se pasa la pista estéreo resultante de la mezcla por una serie de dispositivos (preferiblemente analógicos) tales como equalizadores, compresores o previos valvulares para dotar a la señal tanto de los estándares necesarios en la industria así como de las preferencias acordadas para el proyecto. La decisión de qué dispositivos y en qué rangos se usan es también completa responsabilidad del productor.

Así como hay diferentes tipos de producciones, hay muy distintos tipos de productores. No hay nadie mejor que nadie y las diferencias que pueda haber entre cada uno, probablemente serán las que acerquen más el producto al resultado deseado. Lo mejor es trabajar con alguien (con solvencia contrastada, por supuesto) que pueda entender los objetivos que se deben tener a la hora de lanzar un proyecto nuevo donde se va a invertir mucho tiempo y dinero y sea capaz de llevarlo a buen puerto.

Marc Bahamonde

Hoy llega la segunda entrega de la serie “Música y Niños”, que comencé hace algunas semanas en este blog. Para hacer un poco de memoria, os recuerdo que se trata de una serie de artículos que iré escribiendo bajo un nexo común: compartir las reflexiones sobre la enseñanza musical para niños que día a día voy extrayendo en las clases que imparto, con el fin de que a alguien le puedan resultar interesantes y útiles.

Os aseguro que en las clases que he dado desde el anterior artículo he aprendido bastante, y poco a poco el camino por el que quiero conducir a los niños se va a haciendo un poco más liviano. Puedo afirmar que gran parte de las bases de los métodos de aprendizaje para niños, son aplicables a los adultos. Es el mismo fondo con distinta forma.

Tras las primeras clases, me di cuenta de que para motivar al alumno son igual de necesarios los objetivos a medio/largo plazo que las pequeñas metas diarias.

Es importante “meterse” en la mente del niño y pensar -aunque sea por un momento- tal y como lo haría él. Para ello, la primera pregunta que me tuve que hacer es “¿Qué quiero aprender? “. A un niño de 7 años no le interesa la lectura a primera vista, no le atrae la idea de tener una digitación sólida, y mucho menos le apetece conocer las inversiones de un acorde…un niño con un guitarra en las manos lo único que quiere es saber tocar canciones. Obviamente mi papel como profesor no es el de responder a sus apetencias, es el de conseguir que comience a tener una formación lo más completa posible, pero os aseguro que si explotamos sus intereses ya tenemos mucho hecho.

Por lo tanto, decidí que mi estrategia consistiría en trabajar una pieza sencilla pero con cierta dificultad para ellos -acordes nuevos, alguna cejilla- como objetivo a medio plazo, y combinarlo a su vez con el aprendizaje de melodías muy fáciles como meta diaria.

¿Mi elección para tenerles liados durante unas cuantas semanas? Los acordes del Canon de Pachelbel. La archiconocida sucesión en Re les resulta muy familiar en cuanto la escuchan, y me permite trabajarla a varios niveles según su edad: tocando únicamente las tónicas del acorde, dando el acorde completo, con diferentes ritmos, arpegiando, etc.

En cuanto a las metas a corto plazo me he decantado por melodías que conocieran sobradamente, trabajadas únicamente de manera melódica y en una sola cuerda. Los “hits” aprendidos por el momento -seleccionados por los propios alumnos- no han sido otros que “Cumpleaños Feliz” y “Navidad, Navidad, Dulce Navidad”. Al ser cosas tan sencillas, consigo que casi todos lo aprendan en una única clase, que se muestren motivados con una melodía que conocen, y que vean algo más cercano el reto -que tanto les abrumó al principio- de aprender el Canon.

Junto con esto, intento sacar siempre un rato para trabajar -sin instrumento- sencillos ejercicios de ritmo mediante juegos con palmas, por grupos, etc.

Es gratificante observar como se va despertando el interés en aquellos que al principio parecían más reacios, y como poco a poco van formando parte del vocabulario de los niños palabras como corchea, arpegio o pentagrama.

Yo, por mi parte, sigo intentando mejorar las clases y aprendiendo día a día cosas que me hacen crecer como músico y como persona.

Un saludo y hasta la próxima!

Juan Fernández.

Hoy quiero iniciar en este blog una serie de entradas, que comenzaré a escribir desde hoy, bajo la temática “Niños y Música”. Ni me ha dado por los niños de repente, ni voy a tener uno. Mi interés sobre este tema se despertó hace unas semanas cuando me ofrecieron dar clases de guitarra e iniciación a la música en un colegio, a niños de entre 6 y 12 años. Acepté sin pensármelo dos veces, tenía lo que quería: una remuneración económica acompañada de algo tan importante como experiencia laboral en el mundo en el que me muevo, la música.

Respeto mucho la labor de cualquier profesor, puesto que inculcar -y hacerlo bien- conocimientos de una forma progresiva, ordenada y útil para el alumno es una tarea que requiere de tanta paciencia como dedicación. Si tu alumno es una persona adulta, y medianamente educada, tu principal tarea será la de la planificación de un temario adecuado. Cuando das clases a niños -y más si son muy pequeños- la cosa cambia mucho, y tu labor como pedagogo comienza a ser vital. Lo importante no es sólo qué enseñas, si no cómo enseñas.

Por eso, he decidido comenzar con esta serie en el blog. El objetivo es iros contando mi experiencia clase a clase, con el fin de compartir mi aprendizaje y conclusiones -yo aprenderé tanto o más que los niños en ese colegio, estoy seguro- con vosotros.

Ahí va mi reflexión tras el primer día:

Sin llegar a ser “el primo de Zumosol” para los niños, considero que en general tengo buena mano con ellos, se me suelen dar bien los canijos. Así que pensé que no tendría excesivos problemas con ellos. Lo sigo pensando, pero la primera clase me ha bastado para darme cuenta de que estoy ante un reto algo más duro de lo que pensaba.

Tengo a mi cargo 11 niños. 11 niños que tienen 11 guitarras. Eso suman 66 cuerdas en manos de unos personajes que lo único que quieren es divertirse, montando cuanto más jaleo mejor.

A priori, puede amedrentar. Más que una clase, en realidad fue una toma de contacto. En esta fase nos estamos midiendo. Yo me voy haciendo una idea de cuáles parecen más receptivos, de cuáles son más propensos a despistarse, de quién parece más predispuesto al aprendizaje, etc. Y ellos, por su parte, comprueban hasta dónde llego. Mi trato con ellos estos primeros días seguramente determine el cómo me vean durante el resto del curso. Hay que ganárselos y caerles bien, pero haciéndose respetar desde un primer momento.

Mi labor, resumida en pocas palabras, no es otra que la de conseguir que durante hora y media los niños aprendan algo y se diviertan, casi a partes iguales. Si consigues que un niño esté entretenido y que le guste lo que hace, aprenderá sin darse cuenta. El uso de juegos, siempre relacionados con la música, será vital. Haciendo un símil culinario podría decir que el niño se comería antes un plato atractivo y que entrase por los ojos, que uno de gran calidad pero mal presentado. Lo difícil será saber equiparar forma y fondo; calidad y presentación.

No tengo mucho más que decir sobre mi primera experiencia. Espero que esta serie pueda servir a alguien, bien para coger ideas porque esté en mi situación, bien porque esté interesado en el tema.

Gracias por leernos y hasta la próxima.

Un Saludo!

Juan Fernández.

Ha pasado ya más de un mes desde mi última publicación o entrada en este blog y no es porque no haya querido sino porque reálmente no he tenido tiempo entre estudiar, grupos, conciertos,  etc este mes ha ido y va todavía un poco de culo pero en fin, ahora que tengo un momento me gustaría hablaros un poco a todos aquellos que tenéis pensado dedicaros de una forma más o menos seria a la música.

El primer consejo que os voy a dar quizá parezca un poco raro ya que prácticamente todos los guitarristas dedicamos muchas horas encerrados en nuestra habitación estudiando licks, técnica, repertorio, lenguaje y un largo e inacabable etc, pero mi consejo es: SALID Y CONOCED MUNDO!!!! Parece una tontería al principio pero es el mejor consejo que os puedo dar y probablemente mucha gente que ya esté metida en esto os diría el mismo. Estudiar en casa es siempre positivo y necesario, claro está, pero igual de necesario es salir y tocar con gente, con baterias, bajistas, grupos, jams y todos los huecos en los que quepa otro guitarrista.

Es muy diferente tocar en casa solo o con tu grupo, que con grupos profesionales o tocar como mercenario para otros dónde casi nunca tocarás tu estilo.

El rollo va así: te llaman por teléfono para un grupo de R&B que hace una gira nacional y necesita un guitarrista, accedes, preparas los trastos, llegas, te dan un papel con unos acordes, ponen la canción una sola vez, el bateria cuenta, entra el bajista, la voz, el teclado, el pianista, los 8 coristas, el saxo, y todos estan pendientes de ti, metes una nota, dos, tres, un acordes, dos….llega un solo, lo haces….. fin….. la mayoria de gente que busca un guitarrista o músico ya sabe si te cogerá después de los dos primeros acordes. No se trata de la inversión que hagas, el arreglo que toques o la tensión que metas sino de dónde lo metes y en cuanto al solo, les da igual que sepas hacer sweep picking o toques perfecto todos los discos de Jason Becker porque lo único que tienes que tocar es un solo de 8 compases donde cuanto menos notas metas, mejor. Se trata de oír cómo suenan todos contigo, no como suenas tú con todos. Creédme, podría ir el mejor guitarrista de la ciudad y no obtener el trabajo, no por falta de feeling o conocimientos sino por falta de experiencia, y eso lo notan y mucho.

Un gran guitarrista me dijo una vez: escucha toda la banda no solo tu guitarra, olvidate de ella, deja aparte tus conocimientos técnicos etc, toca con el corazón y no con la cabeza, deja de pensar y toca…. así que eso es lo que os recomiendo, salid y tocad, no es quedéis encerrados en el cuarto 8 horas al día porque quizá nunca hayáis tocado R&B pero habréis vivido tantas cosas que después de 8 compases ya sabréis qué meter y qué no meter en el tema, muchas cosas no se pueden aprender estudiando, se tienen que aprender en la carretera….

Keep Rockin´
Tony Martinez